Mit “Downton Abbey: Das große Finale” kehrt das weltweite Phänomen rund um die Familie Crawley und ihre Bediensteten auf die große Leinwand zurück.

Die 1930er-Jahre lassen ein neues Jahrzehnt anbrechen, das für Mary mit einem öffentlichen Skandal beginnt. Als die Familie noch dazu in finanzielle Schwierigkeiten gerät, sieht sich der gesamte Haushalt mit dem drohenden sozialen Abstieg konfrontiert. Die Crawleys und ihre Dienerschaft müssen sich auf Veränderungen einstellen und ein neues Kapitel aufschlagen, damit die nächste Generation Downton Abbey in die Zukunft führen kann.

Alles führte zu diesem Moment. Ein Abschied, der der High Society würdig ist und gerade skandalös genug für den Salontratsch – Focus Features‘ DOWNTON ABBEY: DAS GROSSE FINALE ist ab dem 03. November zuhause erlebbar – zum Kaufen oder Leihen – und ab dem 18. Dezember 2025 auf Blu-ray und DVD von Universal Pictures Home Entertainment erhältlich. Basierend auf der mit dem Emmy® Award ausgezeichneten Erfolgsserie von Carnival Films, bildet dieses beeindruckende Filmfinale den krönenden Abschluss von 15 unvergesslichen Jahren bewegender Geschichten – und ist zweifellos die Must-Have-Veröffentlichung der Saison. Das große Finale entführt noch einmal in eine Welt voller feinsinnigem Humor, eleganter Mode und unvergesslicher Dialoge – begleitet von über einer Stunde exklusivem Bonusmaterial (bei teilnehmenden Händlern) inklusive exklusiver Einblicke hinter die Kulissen wie faszinierende Featurettes über die Pracht der High Society, und eine liebevolle Hommage an die Darsteller, die Downton Abbey zu einem weltweiten Phänomen gemacht haben.

„Downton Abbey – Die komplette Saga“ vervollständigt die Sammlung. Die limited Edition erscheint als DVD und Blu-ray und enthält neben allen 6 preisgekrönten Staffeln und den drei gefeierten Spielfilmen ein 36-seitiges Booklet mit Hintergrundinfos und jeder Menge zusätzlichem Bonusmaterial.

DOWNTON ABBEY: DAS GROSSE FINALE bietet einen bewegenden und zugleich würdevollen Abschluss für die beliebtesten Figuren der Serie – getragen von herausragenden Leistungen des gefeierten Ensembles. Mit dabei sind erneut Publikumslieblinge wie Hugh Bonneville (Paddington), Jim Carter (Shakespeare in Love), Michelle Dockery (The Gentlemen), Paul Giamatti (The Holdovers), Elizabeth McGovern (Ordinary People) und Penelope Wilton (Shaun of the Dead). Hinter der Kamera vereint sich erneut das hochkarätige Kreativteam, das Downton Abbey zum globalen Phänomen gemacht hat: Regisseur und Produzent Julian Fellowes (Downton Abbey, The Gilded Age), Drehbuchautor Simon Curtis (Downton Abbey: Eine neue Ära) sowie die Produzenten Gareth Neame (Downton Abbey, The Gilded Age) und Liz Trubridge (Downton Abbey). Gemeinsam setzen sie dem Vermächtnis des Hauses Crawley mit diesem außergewöhnlichen Abschied ein glanzvolles Finale.

Ab dem 03.November 2025 digital zum Kaufen und Leihen erhältlich und ab dem 18. Dezember auf Blu-ray und DVD.

Wir verlosen 2 Fanpakete!

Gewinnen Sie Ihre ein Fanpaket, bestehend aus je einer DVD zum Film, sowie einem exklusivem Schlüsselanhänger, von Downtown Abbey: Das Große Finale hier bei uns:

Das Gewinnspiel endete am 17.11.2025 um 23:59 Uhr.

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Hier finden Sie das Kino in Ihrer Nähe: https://intl.oceanfilm.net/

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Betreten Sie eine Welt der Eleganz und des königlichen Genusses!

Jeanne Du Barry erobert das Herz des französischen Königs Ludwig XV. im Sturm. Zum Heimkino Start von „Jeanne Du Barry – Die Favoritin des Königs“ (seit 7. Dezember als DVD, Blu-ray, TVoD und digital erhältlich) verlosen wir 6 Gewinnpakete mit je einer Blu-ray zum Film und dem „Royal Teatime“ Kochbuch mit königlichen Rezepten direkt aus der Palastküche. Von der ehemaligen Köchin der königlichen Familie Carolyn Robb zusammengetragen, finden sich in diesem Buch mehr als 50 köstliche Rezepte zur Tea Time, ganz wie bei den Royals. Die Rezepte – von traditionell bis modern – für die verschiedensten Anlässe, von der Sommergartenparty im Buckingham Palace bis zur Hochzeits-Teatime auf Schloss Windsor, werden begleitet von einzigarten Bildern der verschiedenen Paläste und Residenzen, und spannenden Infos zu historischen Bezügen und Besonderheiten.

Mehr Infos unter www.dorlingkindersley.de

Kurzinhalt

Jeanne Vaubernier (Maïwenn), eine ehrgeizige und gesellschaftlich aufstrebende Bürgerliche, nutzt geschickt ihre betörenden Reize, um ihren bescheidenen Verhältnissen zu entkommen. Ihr Liebhaber, der wohlhabende Graf du Barry, der beträchtlich von Jeannes lukrativen Liebesabenteuern profitiert, möchte sie dem König vorstellen. Zwischen Ludwig XV (Johnny Depp) und Jeanne entbrennt nicht nur eine leidenschaftliche Liebe auf den ersten Blick, sondern es entwickelt sich eine tiefe Zuneigung. Als offizielle

Favoritin des Königs zieht Jeanne gegen alle Regeln des Anstands und der Etikette nach Versailles, wo ihre Ankunft den gesamten Hof in Aufruhr versetzt.

Versailles steht in diesem opulenten Cannes-Eröffnungsfilm Kopf. Mit Maïwenn erstrahlt französische Frauenpower auf dem Regiestuhl und vor der Kamera. Eine adelige Amour Fou um Mätressen, Macht und Intrigen in verschwenderischer Ausstattung, Kostümen aus dem Hause Chanel und vor kolossaler Kulisse. Entlarvend, vergnüglich und bezaubernd zugleich.

Wir verlosen 3 tolle Pakete mit je einer Blu-ray von JEANNE DU BARRY und dem Kochbuch ROYAL TEATIME von DK Verlag. Viel Glück!

Dieses Gewinnspiel endete am 20.12.2023 um 23:59 Uhr.

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Die Geschichte von Sima dem Löwenjungen

Die bekannte Geschichte um Simba, den zukünftigen König der Löwen, beginnt irgendwo in Afika. Dort wird das lebhafte Löwenjunge geboren. Simba liebt seinen Vater Mufasa, den aktuellen König der Löwen, und er liebt ihn. Der kleine Löwe wünscht sich nichts sehnlicher, als irgendwann in den Pfotenabdruck seines Vaters zu treten und selbst einmal den Königsthron zu besteigen. Doch sein ehrgeiziger Onkel Scar hat ganz andere Pläne. Nach dem tragischen Tod Mufasas lässt Scar den jungen Simba in dem Glauben, er hätte Schuld am Tod seines Vaters und drängt ihn, das Land zu verlassen.

Tieftraurig begibt Simba sich ins Exil und begräbt seine Träume. Dort stehen im das lustige Erdmännchen Timon und das warmherzige Warzenschwein Pumbaa zur Seite. Sie begleiten den Löwenjungen durchs Leben und helfen ihm dabei erwachsen zu werden. Mit so tollen Freunden an der Seite wächst Simba zu einem selbstbewussten, erwachsenen Löwen heran und ist endlich soweit, nachhause zurückzukehren, um den ihm zustehenden Platz auf dem Königsfelsen zurückzufordern.

Der König der Löwen – ein bunter Reigen großartiger Stars

Regisseur Jon Favreau, der THE JUNGLE BOOK und IRON MAN als Regisseur zum Erfolg geführt hat, griff auch für die Neuverfilmung von König der Löwen tief in die Star-Kiste. Für die Originalfassung hat er unter anderem Donald Glover verpflichtet. Er spricht Simba. Superstar Beyoncé Knowles-Carter leiht Simbas Freundin Nala ihre Stimme, Chiwetel Ejiofor verkörpert Simbas bösartigen Onkel Scar und James Earl Jones leiht seine wunderbare Stimme nun schon zum zweiten Mal dem weisen Mufasa. Genauso wie er es bereits in Disneys Animationsklassiker von 1994 getan hat.

Große Namen auch hinter den Kulissen

Auch hinter der Kamera versammeln sich die Namen preisgekrönten Künstler. Das Drehbuch stammt aus der Feder von Jeff Nathanson, der auch das Drehbuch von PIRATES OF THE CARIBBEAN verfasste. Für dir Bildgestaltung zeichnet der bereits sechs Mal für den Oscar® nominierte Caleb Deschanel verantwortlich und Mark Livolski übernahm zusammen mit Adam Gerstel. Beide haben ihre Zusammenarbeit bereits bei THE JUNGLE BOOK unter Beweis stellen können.

Filmmusik wie sie nur einem König der Löwen gebührt

Und wie nicht anders zu erwarten stammt auch die Filmmusik für die Neuverfilmung von der König der Löwen erneut von Oscar®- und Grammy-Preisträger Hans Zimmer. Nicht zu erwähnen, da quasi selbstverständlich, ist König der Löwen nicht ohne Elton Johns legendären Song „Can You Feel the Love Tonight“ zu denken. Hinzukommen afrikanische Klänge aus der Schmiede des südafrikanischen Produzenten und Komponisten Lebo M. Und auch Grammy-Gewinner Pharrell Williams steuert dem Soundtrack fünf Songs bei.

Regisseur Jon Favreau über König der Löwen

„Schließlich haben wir es mit echten Fans zu tun. Viele sind mit diesem Film aufgewachsen, manchmal gleich mehrere Generationen einer Familie. Man erinnert sich nicht einfach an DER KÖNIG DER LÖWEN, sondern daran, wie er wirkte, als man sieben Jahre alt war oder als man ihn später seinen Kindern zeigte. An diesen Film sind unzählige persönliche Erinnerungen und Emotionen geknüpft, die gehütet werden müssen – wie Schätze.“ Und das ist ihm gelungen. Also verpassen Sie diesen Film nicht. Nehmen Sie Ihre Kinder und Enkel mit ins Kino – egal ob es draußen stürmt oder die Sonne vom Himmel brennt. In den gute klimatisierten Kinosälen wird der König der Löwen zum Hochgenuss.

Kinostart: 17. Juli

Weitere Filmempfehlungen finden Sie hier.

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In EDIE – FÜR TRÄUME IST ES NIE ZU SPÄT dreht sich alles um die 83-jährige Edie, die sich ein Leben lang gekümmert hat. Um die Familie, die Kinder und den Ehemann. Sie hat ihr ganzen Leben alles an den Bedürfnissen anderer ausgerichtet. Damit ist jetzt Schluss. Diese Entscheidung fällt gerade noch rechtzeitig, denn Tochter Nancy möchte eigentlich, dass die Mutter ins Altersheim geht.

Nimm dein Leben endlich in die Hand

Doch Edie hat ganz andere Pläne. Fest entschlossen, ihr Leben endlich selbst in die Hand zu nehmen, beschließt Edie, sich ihren lang gehegten und fast vergessenen Traum zu erfüllen: Sie will die schottischen Highlands erklimmen. Ein kühner Plan für eine 83-Jährige. Dennoch lässt Edie sich nicht beirren. Sie schlüpft in ihre angestaubten Wanderschuhe und packt den in die Jahre gekommenen Rucksack und startet ihr kühnes Abenteuer.

Dabei agiert Edie keineswegs blindlings. Sie bereitet sich akribisch für Ihre Tour vor. Dazu engagiert sie den jungen Jonny, der die alte Dame auf den Aufstieg vorbereiten soll. Jonny nimmt es mit dem Dickkopf Edie auf und hilft ihr bei den Vorbereitungen. Dabei lernt nicht nur Jonny immer mehr von Edie und ihrer Lebensgeschichte kennen. Auch Edie kommt sich selbst immer näher. Zuversicht und Selbstvertrauen wachsen mit jedem Trainingstag. Und so ganz nebenbei entwickelt sich eine außergewöhnliche Freundschaft zwischen Edie und Jonny die das Leben beider ganz schön durcheinanderwirbelt.

Interessanter Film – interessante Locations

Neben den brillanten Hauptcharaktere Edie (Sheila Hancock) und Jonny (Kevin Guthrie) lernt der Zuschauer auch die atemberaubenden Film-Locations MOUNT SUILVEN und LOCHINVER in den schottischen Highlands kennen.

MOUNT SUILVEN

Der 731 Meter hohe Berg zählt zu den markantesten in den schottischen Highlands. Etwas abgelegen im westlichen Teil der Grafschaft Sutherland gelegen, erhebt er sich inmitten der wilden Moorlandschaft des Inverpolly National Nature Reserve. Das besondere Kennzeichen dieses Berges ist sein steiler, fast senkrecht aufragenden, etwa zwei Kilometer langer Bergrücken. Diesen Anstieg zu bewältigen kann nicht nur für eine 83-Jährige zu einer echten Herausforderung werden.

LOCHINVER

Diese charmante Dorf an der Küste Sutherlands liegt im Bezirk Assynt, nur wenige Kilometer nordöstlich vom See Loch Assynt. Die Stadt selbst liegt wunderbar geschützt in einer kleinen Bucht irgendwo in der Wildnis des äußersten Nordwestens der schottischen Highlands.

Edie – für Träume ist es nie zu spät: ein Film für Jung und Alt

Auf die Frage, “für welches Publikum der Film gemacht ist?”, antwortet Regisseur Simon Hunter:

“Ich denke tatsächlich, dass der Film viele junge Menschen anspricht. Der Film hat etwas Inspirierendes. Es geht darum, sich auf etwas Neues einzulassen und es durchzuziehen. Das ist ein zeitloses Thema. Ich wollte, dass er sowohl über die Stimmung als auch die Erzählung funktioniert. Die letzte halbe Stunde enthält fast keine Dialoge – die Bilder, die Musik und vor allem die schauspielerische Leistung sind es, die den Zuschauer in den Bann ziehen. Aber im Grunde ist es eine sehr einfache Geschichte. Ich wollte keine komplexe Story mit vielen Twists und Turns. Vielmehr sollte es eine sanfte, einfache, aber nicht zu simple Geschichte werden, die sich von der Masse abhebt. Ich denke, es wird die Menschen an ihre Eltern, ihre Hoffnungen und Träume erinnern sowie an Ziele, die man erreicht hat oder noch erreichen will … Das Leben bringt nicht immer das, was man sich als junger Mensch gewünscht hat. In diesem Sinn ist es eine bittersüße, aber auch sehr zugängliche Geschichte.” Das hört sich doch interessant an, finden Sie nicht?

Kinostart: 23. Mai

Jetzt haben Sie total Lust auch die schottische Bergwelt zu erkunden. Keine Problem, wir verlosen 2 x den Wanderführer “Die schottischen Highlands” – zum Gewinnspiel geht es hier lang. Good Luck!

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Pope erzählt in STAN und OLLIE die Geschichte dieser einzigartigen künstlerischen Partnerschaft und setzt ihnen damit ein bewegendes Filmdenkmal. Thematisiert werden nicht nur die Erfolge der beiden Komiker, er wirft zudem auch Blick auf diese so ganz besondere Freundschaft. In den Hauptrollen glänzen Steve Coogan als Stan und John C. Reilly in der Rolle des Ollie. Die beiden Schauspieler laufen zu wahrer Höchstform auf.

Dick & Doof – rührend und lustig zugleich

Komödiantische Filmszenen werden akribisch einstudiert, sodass die berühmtesten Dick & Doof-Gags harmonischen in den Film einfließen – fast so als wäre es das Original. So wird es dem Zuschauer bei dem weltbekannten und urkomischen Versuch das Gepäck die Bahnhofstreppe hinauf zu bekommen oder bei der Piano-Treppen-Sequenz aus dem Kurzfilm DAS VERRÜCKTE KLAVIER nach wie vor die Lachtränen in die Augen treiben. Das Publikum kann gar nicht anders, als darüber herzlich zu lachen.

Laurel & Hardy – die Männer hinter den Kulissen

Zusammen mit Regisseur Jon S. Baird entwarf Pope einen Film, der sich auf das Leben und die Freundschaft der beiden Komiker hinter den Kulissen konzentriert. Das Drehbuch erzählt viel über die wahren Persönlichkeiten von Oliver und Hardy. So zeigt der Film einen Oliver Hardy, der in der Regel vor der Kamera das Szepter in der Hand hielt, während Stan Laurel der kreative Kopf im Hintergrund war. Von dort aus hatte er aber stets auch den Überblick über die komplette Filmproduktion. Hardy hingegen verabschiedete sich meist direkt nach den Dreharbeiten aufs Green zu einer entspannten Partie Golf.

STAN und OLLIE: das unvergessliche Komiker-Duo

Diese Situation änderte sich im Jahr 1953 während einer Tournee durch Großbritannien. An diesem Punkt setzt der Film STAN und OLLIE an. Ihre besten Jahre hat das Komiker-Duo zu diesem Zeitpunkt bereits hinter sich. Die ehemaligen Hollywood-Stars tingeln durch England und die Zuschauerränge sind leer. Eine Enttäuschung für beide, mit der sie erst einmal zurechtkommen müssen. Doch STAN und OLLIE wären keine waschechten Komiker, wenn sie es nicht wieder schaffen würden, ihre Fans zum Lachen zu bringen. Und obwohl es Anfangs nicht danach aussah, wird die Tour zu einem Mega-Erfolg.

Dennoch wird genau zu diesem Zeitpunkt die Männerfreundschaft auf eine harte Probe gestellt. Obwohl sie als Komiker wunderbar harmonierten, privat standen sich die beiden nie wirklich nah. Nun mussten sie hier Tag für Tag auf engstem Raum zusammenbleiben. Laurel konnte sich nicht eben mal auf das Golf-Green verdrücken. So offenbart der Film die wahren Gesichter der Filmlegenden, ihre eigentliche Persönlichkeit und vor allem auch das Einzigartige dieser besonderen Männerfreundschaft.

Oscar®, Golden Globe und Co.

Pope weiß, dass sich die Beiden nie wirklich nahe standen, “bis sie diese anstrengende Tournee machten und Woche für Woche auf engstem Raum zusammenlebten. Die Prämisse des Films ist, dass sie sich im wirklichen Leben so nahe kamen wie im fiktiven Leben.“ Und dass dies den Filmemachern gelungen ist beweisen zahlreiche Nominierungen. So war STAN & OLLIE bei den BAFTAs 2019 in drei Kategorien nominiert: „Herausragendster Britischer Film“, „Bester Hauptdarsteller“ (Steve Coogan) und „Bestes Make-up & Haar“. Eine weitere Golden Globe Nominierung gab es für John C. Reillys in der Kategorie „Bester Schauspieler Musical/Comedy“.

Die Produzentin Faye Ward zu STAN und OLLIE

„Ich bin der Meinung, die Idee, auf den Hommage-Gedanken sowie die Essenz von Laurel und Hardy zurückzukommen, war wirklich wichtig. Und auch der Grund, warum wir kein konventionelles Biopic machen wollten. Wir wollten etwas erschaffen, das sowohl neue als auch alte Zuschauer gleichermaßen begeistert. Laurel und Hardy haben eine riesen Fangemeinde weltweit, darunter auch unzählige Komiker wie z.B. Ricky Gervais und Paul Merton, John C. Reilly und Steve Coogan – es gibt Millionen andere. Tausende Menschen sprachen darüber, wie inspiriert sie noch immer von den beiden sind. Ich denke, auch wenn man sie nicht kennt, überträgt sich diese unmittelbare Leichtigkeit. Man spürt, wie dieses Duo die Komödie, wie wir sie heute noch sehen, beflügelt hat.“.

Wer also mehr über die Menschen hinter den beiden Komikern erfahren und wer außerdem gerne mal wieder herzlich lachen möchte, der sollte sich diesen Film nicht entgehen lassen.

Kinostart: 9. Mai

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In diesen drei Filmklassikern wird Sie der charismatische Garry Grant gekonnt um den Finger wickeln. Und wird dabei tatkräftig unterstützt von der zauberhaften Audrey Hepburn, der unvergleichlichen Ingrid Bergmann und dem Mann mit der Schmalztolle – Tony Curtis.

Cary Grant in CHARADE

Im Spionagethriller CHARADE verzaubern gleich zwei Hollywood-Ikonen mit ihrem ganz besonderen Charme. Carry Grant und Audrey Hepburn, die am 4. Mai ihren 90 Geburtstag gefeiert hätte. Noch ein Grund, um diesen Film zu neuem Glanz zu erwecken.

Hepburn alias Reggie Lampert wird von drei Kriegskameraden ihres jüngst verstorbenen Mannes bedroht. Es geht um eine Summe von 250.000 gestohlenen Dollar. Wo ist das Geld? Die junge Witwe wird von dem Trio gejagt und findet Schutz bei charismatische US-Amerikaner Brian Cruikshank alias Cary Grant.

CHARADE ist ein amerikanischer Film gedreht in den Straßen von Paris. Die Szenerie mündet in einem fulminanten Showdown in den Kolonnaden des Palais Royal an dessen Ende ein romantischer Heiratsantrag steht. Was kann es Schöneres geben…

INDISKRET mit der wundervollen Ingrid Bergman

Film Nummer zwei aus der Cary Grant-Klassiker-Trilogie ist INDISKRET. Dieser Film brachte Cary Grant an der Seite von Ingrid Bergman im Jahr 1959 seinen ersten Golden Globe ein.

Um was geht’s? Die Schauspielerin Ana Kalman (Ingrid Bergman) hat es beruflich auf die große Bühne geschafft. Der Erfolg ist ihr treu, die Liebe leider nicht. Doch dann winkt ihr das Liebesglück in Gestalt des NATO-Diplomaten Philip Adams. Tief enttäuscht muss sie allerdings erkennen, dass ihre große Liebe bereits verheiratet ist. Eine Welt bricht für sie zusammen.

Wer erinnert sich nicht an Ingrid Bergmans legendäres “damned!” als sie davon erfährt, dass ihr geliebter Philip bereits eine Ehefrau hat. Dieser Ausruf purer Verzweiflung ging in die Filmgeschichte ein…

Das Dream-Team Cary Grant und Tony Curtis in UNTERNEHMEN PETTICOAT

Und der dritte im Bunde ist die ebenfalls 1959 produzierte Komödie UNTERNEHMEN PETTICOAT. Der Filmklassiker war neben seiner Bestbesetzung – neben Grant stand hier als Co-Star Tony Curtis vor der Kamera – wurde der Film nicht nur in der Kategorie BESTES DREHBUCH für den Oscar® nominiert. UNTERNEHMEN PETTICOAT wurde auch mit dem Golden Globe ausgezeichnet.

Im Film dreht sich alles um den Kampf um das U-Bott USS Sea Tiger, das beim Angriff der Japaner 1941 schwer getroffen wurde. Captain Sherman (Grant) und Leutnant Nicholas Holden (Curtis) – ein fröhlicher Lebemann und ein so ganz anderer Charakter als Sherman – tun alles dafür, um das Boot vor der Verschrottung zu bewahren.

Das Unterfangen nimmt schließlich seltsame Wege, sodass sich im Grund auch niemand mehr wundert, als das U-Boot fünf Krankenschwester mit an Bord nimmt und zudem auch noch einen rosaroten Anstrich erhält. Der Moral auf dem Schiff tut allerdings weder das eine, noch das andere gut. Sehen Sie selbst…

Filmklassiker auf Blue-ray oder DVD und ein Gewinnspiel

Die drei Filmklassiker CHARADE, INDISKRET und UNTERNEHMEN PETTICOAT sind ab dem 18. April auf Blu-ray und DVD im Handel erhältlich. Und wem das Glück hold ist, der hat hier in unserem Gewinnspiel die Chance auf kostenlosen Cary Grant-Filmgenuss. Zum Gewinnspiel geht es da lang -> Gewinnen Sie einen Cary Grant Film auf DVD.

Das Gewinnspiel endet am 16.05.2019.

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Clint Eastwood spielt in THE MULE Earl Stone, zunächst harmlos wirkenden, knapp 90-Jährigen Mann. Earl ist hoch verschuldet und lebt mittlerweile allein. Kurz vor der Zwangsvollstreckung seines Unternehmens erhält der betagte Mann ein lukratives Jobangebot. Nimmt er an, hätte er alle seine finanziellen Sorgen mit einem Mal los. Er wird auch nicht stutzig als man ihm erklärt, dass er lediglich Autofahren muss.

Ich bringe meiner Nichte Pekannüsse

Also nimmt er das Jobangebot an. Was Earl zunächst nicht weiß: Er transportiert Drogen für ein mexikanisches Kartell. Während einer Polizeikontrolle wird ihm erst bewusst, was er da eigentlich in seinem Kofferraum zwischen all den Pekannüssen spazieren fährt. Er schreckt dabei aber nicht davor zurück, dem Polizeibeamten eine haarsträubende Geschichte über Pekannüsse aufzutischen, um so von den Drogen abzulenken.

Schnell wird klar: Earl macht seinen Job gut – so gut, dass die Fracht, die ihm die Mexikaner anvertrauen, immer wertvoller wird. Earl rutscht tiefer und tiefer in das mexikanische Drogengeflecht hinein. Dabei wird er mittlerweile ständig und mit Argusaugen von einem Aufpasser des Kartells beobachtet. Gleichzeitig hat auch der DEA (amerikanische Drogenvollzugsbehörde) Lunte gerochen und einen seiner besten und härtesten Agenten auf den alten Mann angesetzt.

THE MULE – Familie ist das Wichtigste

Doch obwohl die Luft immer dünner wird und Geldprobleme längst der Vergangenheit angehören, kann Earl die Finger nicht von diesem Job lassen. Dabei gibt es in seinem Leben viel Dringenderes zu erledigen. Fehler aus der Vergangenheit belasten Earl schwer. Ein Leben lang waren ihm die Geschäfte, seine Gärtnerei und die Blumen wichtiger als die Familie. Zuletzt konnte er nicht einmal mehr die Hochzeit seiner Enkelin bezahlen. Was er ihr eigentlich versprochen hatte.

Earl steht allein da. Das muss sich unbedingt ändern. Dabei ist es mehr als ungewiss, ob Earl überhaupt noch genügend Zeit bleibt, seine Fehler und Versäumnisse aus der Vergangenheit wieder gut zu machen. Stellt sich doch die dingende Frage: Wer wird ihn zuerst erwischen, der DEA oder das Kartell?

Clint Eastwood – eine lebende Legende

Seit über 50 Jahren ist Eastwood im Geschäft und ohne übertreiben zu wollen, kann man diesen Mann wahrlich als lebende Legende im Filmbiz bezeichnen. Seine ersten Rollen spielte er Ende der 50er unter anderem in Fernsehserie TAUSEND MEILEN STAUB. Sein großer Kino-Durchbruch gelang ihm dann mit FÜR EINE HANDVOLL DOLLAR, dem Inbegriff des Spagetti-Westerns. Darauf folgten viele weitere Kinoerfolge wie COOGANS GROẞER BLUFF, DIRTY HARRY, IN THE LINE OF FIRE oder DIE BRÜCKEN AM FLUẞ, ein großer Kassenerfolg in den 90ern.

Bereits seit Anfang der 70er versuchte sich Eastwood auch als Regisseur und war damit von Anfang an nicht minder erfolgreich als als Schauspieler. So stand er erstmals für den Film SADISTICO sowohl vor als auch hinter der Kamera. Weitere Erfolge als Regisseur und Schauspieler feierte er mit dem Spätwestern ERBARMUNGSLOS sowie mit der Komödie SPACE COWBOYS im Jahr 2000. Im Jahr 2005 gelang es Eastwood sogar mit dem Boxerdrama MILLION DOLLAR BABY den Oscar für die Beste Regie und für den Besten Film zu gewinnen.

Seine jüngste Regiearbeit ist nun THE MULE. Für diesen Film hat er noch einmal tief in die Trickkiste der besten Schauspieler und Filmemacher gegriffen. So glänzen an seiner Seite unter anderem große Namen wir Bradley Cooper, den American Sniper-Hauptdarsteller, und Nick Schenk, den Drehbuchautor von Gran Torino, sowie Eastwoods Tochter Alison Eastwood.

THE MULE Kinostart: 31. Januar 2019

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Der Fernsehfilm WIR SIND DOCH SCHWESTERN, erzählt eine Geschichte über drei zerstrittene Seniorinnen. Zwei Weltkriege haben die drei Damen er- und überlebt. Sie sind an den Menschen und der Liebe verzweifelt und mussten sich einer Moral unterwerfen, die ihnen heute nur noch verlogen erscheint. Im Jahr 1994, zum 100. Geburtstag von Hiltrud (Hildegard Schmahl), arbeiten die Schwestern ihr Leben auf. Keine einfache Sache und nicht alle nehmen freiwillig daran teil.

Wir sind doch Schwestern – wie konnte es nur soweit kommen?

Wir schreiben das Jahr 1994. Betty, Hiltrud und Martha kommen auf Bettys Hof zusammen, um sich endlich wieder zu versöhnen. Das geschieht keinesfalls freiwillig, weder Betty (Jutta Speidel) noch Hiltrud wussten Bescheid. Martha (Gertrud Roll) hat das alles eingefädelt, um das jahrzehntelange Schweigen zwischen den Schwestern zu beenden. Über 40 Jahre ist es bereits her, dass sich die drei Schwestern zerstritten haben. In immer wiederkehrenden Rückblicken wird in WIR SIND DOCH SCHWESTERN die Geschichte eines bitteren Familienzwistes erzählt.

Alles begann auf dem Hof der Verhoevens, in der Zeit um den zweiten Weltkrieg. Dabei dreht sich scheinbar alles um den Politiker und Gutshofbesitzer Heinrich Verhoeven (Benjamin Sadler). Ihm gibt Hiltrud, die Älteste, die Schuld am Tod ihres Verlobten Franz (Anton Rubtsov), Heinrichs jüngerer Bruder, der im Zweiten Weltkrieg gefallen ist. Betty hingegen glaubt nicht an diese Schuld. Sie hält Heinrich zeitlebens die Treue und lebt bis zu seinem Tod als seine Haushälterin und Geliebte an seiner Seite. Bis heute lebt sie auf dem Hof der Verhoevens, den Hiltrud nur als “Mörderhof” bezeichnet.

Wer trägt Schuld

Zum Bruch der Schwestern kam es aber letztlich aus einem anderen Grund. Bei einem Prozess in den 1950ern musste Hiltrud eine Falschaussage machen, die sie bis heute belastet. Die moralischen Anforderungen dieser Zeit machten diese Falschaussage nötig, um das Ansehen Bettys und damit auch das der Familie nicht zu beschädigen. Doch die ehemalige Schulleiterin kann ihrer Schwester Betty diesen Umstand bis heute nicht verzeihen. Deshalb zeigt Hiltrud nach wie vor wenig Bereitschaft, sich mit ihrer jüngsten Schwester auszusöhnen. Dabei bleibt ihr mit ihren 100 Jahren ganz offensichtlich nicht mehr viel Zeit. Doch die zeitlebens unverheiratete Hiltrud bleibt stur.

Erst als die die Studentinnen Annekatrin (Anke Retzlaff) und Ira (Victoria Schulz) auf den Hof kommen, um  einen Kurzfilm über das eigenwillige Trio zu drehen, scheint das Eis ganz allmählich zu schmelzen. Allerdings brechen zuvor noch einmal die alten, schmerzenden Wunden auf. Und vielmehr noch: Der Film WIR SIND DOCH SCHWESTERN bringt eine jahrzehntelange totgeschwiegene Schuld ans Licht, die die drei Frauen über alle Streitigkeiten hinweg verbindet und der sie sich nun alle drei schonungslos stellen müssen.

WIR SIND DOCH SCHWESTERN: Samstag 22. Dezember 2018 um 20.15 Uhr im Ersten

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Im Zentrum von GEGEN DEN STROM steht die passionierte Umweltaktivistin Halla. Sie weiß, dass unsere Umwelt ein hohes Gut ist, das es gilt vor den skrupellosen Machenschaften der Großindustrie zu beschützen. Dabei ist die warmherzige und unabhängige Chorleiterin eigentlich eine eher ruhige und in sich gekehrte Frau. Niemand ahnt, wer sich hinter dieser biederen Fassade verbirgt. Neben der sonst so gemächlichen Routine ihres Alltags führt sie ein unglaubliches Doppelleben. In der Umweltaktivisten-Szene Islands wird sie nur „Die Bergfrau” genannt. Ihre Passion ist ein Ein-Frau-Krieg gegen die nationale Aluminiumindustrie. Dabei schreckt sie auch vor Vandalismus und Industriesabotage nicht zurück.

Auf einmal ist alles anders

Trotzdem oder genau deshalb gelingt ihr in GEGEN DEN STROM, was in Island niemand für möglich gehalten hätte. In Folge ihrer Aktionen werden die Verhandlungen zwischen der isländischen Regierung und einem internationalen Investor auf Eis gelegt. Ein großer Erfolg in Hallas Umweltaktivisten-Karriere. Dabei  kann es für Hella jetzt erst so richtig losgehen. Es gibt noch viel zu tun für sie. Allerdings wirft die Bewilligung eines fast schon in Vergessenheit geratenen Adoptionsantrags  ihre Pläne im Kampf für die Umwelt vollkommen über den Haufen. Entschlossen plant Halla, die Bergfrau, nun noch diese eine letzte und kühne Aktion zur Rettung des isländischen Hochlands.

Gegen den Strom – weil unsere Umwelt es wert ist

Halla werden in GEGEN DEN STROM wahrhafte Heldenzüge zuteil. Dabei ist Halla eigentlich nur eine einfache Frau, die darum bemüht ist, ein guter Mensch zu sein. Wer sich auf diesen Film einlässt hat dabei das Gefühl in einem spannenden Abenteuer gelandet zu sein oder auch in einem ernsthaften Märchen – erzählt mit einem Augenzwinkern. Dieses Augenzwinkern zeigt sich im Film als skurrile Kapelle. Drei Musiker, die im Film immer wieder auftauchen. Sie symbolisieren die inneren Kräfte Hellas. Sie geben ihr immer wieder den Mut und die Seele, für ihre Ideale zu kämpfen.

Dabei übernimmt sie völlig allein und auf sich gestellt, die Rolle der Retterin unseres Planeten. In GEGEN DEN STROM wird uns Zuschauern die Welt durch die Augen Hallas gezeigt und dadurch können wir sehr gut verstehen, was diese mutige und vielleicht auch ein klein wenig verrückte Frau antreibt: Der Kampf für unsere Umwelt und für eine bessere Welt. Sollten wir dafür nicht alle kämpfen?

Kinostart: 13. Dezember 2018

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Es ist nie zu spät

Die tragikomische Hymne auf das Leben SO VIEL ZEIT hat eine tolle Botschaft im Gepäck. Und die lautet: ES IST NIE ZU SPÄT. Es ist nie zu spät für das Leben, für die Liebe, für Witz und Melancholie – und es ist auch nie zu spät für Veränderung sowie für den Mut, die Dinge in deinem Leben, die du vor langer, langer Zeit so richtig verbockt hast, noch einmal neu anzupacken.

Werfen wir einen Blick zurück ins Bochum der 80er Jahre. Damals steht Rainer (Jan Josef Liefers) mit seiner Band „Bochums Steine“ kurz vor dem großen Durchbruch. Doch dann geht bei einem Konzert einfach alles schief. Rainer regt sich maßlos über den Gitarrist Ole (Jürgen Vogel) auf. Ole spielt ein langes Solo, in Rainers Augen ein zu langes Solo. Es gibt Streit und Rainer schubst Ole von der Bühne. Dummerweise landet Ole mitten in der Pyrotechnik und seine Kleidung brennt Null Komma nichts lichterloh. Das Ende der Band ist besiegelt und Rainer und Ole sprechen seitdem kein Wort mehr miteinander.

SO VIEL ZEIT für ein Comeback

Heute 30 Jahre später hält Rainer immer noch die Gitarre in der Hand. Allerdings nicht als erfolgreicher Musiker, sondern als eher minder erfolgreicher Musiklehrer. Sein Leben läuft so ganz und gar nicht wie er es sich einst erträumt hat. Seine Frau hat ihn längst verlassen, vor seinem Sohn fühlt er sich als Versager und dann ist da auch noch dieser Arzttermin, bei dem Rainer erfährt, dass sich ein gemeiner Hirntumor wie Pac-Man durch sein Gehirn frisst. Eine Operation könnte ihn retten – vielleicht. Doch Rainer will nichts davon hören. Ende der Durchsage. SO VIEL ZEIT hat er also nicht mehr. Nur eines noch, diese eine Sache möchte Rainer noch erledigen: Das Comback von “Bochums Steine”. Das liegt ihm am Herzen.

Nichts zu verlieren

Da gibt es allerdings ein klitzekleines Problem. Seine Bandkollegen Bulle (Armin Rohde), Konni (Matthias Bundschuh), Thomas (Richy Müller) und Ole (Jürgen Vogel) haben ihm diese eine Aktion in den 80ern nie verziehen. Kann Rainer sie von seiner Idee, einer Rückkehr auf die Bühne, überzeugen? Sieht schlecht aus. Doch Rainer lässt sich nicht beirren. Was hat er noch zu verlieren, er stirbt sowieso. Also legt Rainer los, in der sicheren Überzeugung, dass er dieses Mal alles besser macht. Und dann hat das Leben für Rainer doch noch eine Überraschung parat…

Großartiges Star-Ensemble

SO VIEL ZEIT basiert auf dem gleichnamigen Roman von Frank Goosens. Perfekt filmisch umgesetzt hat die Story der preisgekrönte Regisseur Philipp Kadelbach („Parfum“, „Nackt unter Wölfen“, „Unsere Mütter, unsere Väter“), der dabei von einem großartigen Star-Ensemble unterstützt wird. Allen voran Jan Josef Liefers, Jürgen Vogel, Richy Müller, Armin Rohde, Matthias Bundschuh, André M. Hennicke, Alwara Höfels und Laura Tonke. Nicht zu vergessen, die Mitglieder der legendären Band SCORPIONS, die mit einen Gastauftritt dem Film die musikalische Krone aufsetzen.

Kinostart: 22. November 2018

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Alba und Petro sind seit 50 Jahren verheiratet. Das wollen sie gemeinsam mit ihrer Familie feiern und laden deshalb alle in ihr wunderschönes Ferienhaus auf der italienischen Insel Ischia ein. Die Tochter, die Söhne, und auch die Ex-Schwiegertochter sowie Cousins, Cousinen und Enkel – endlich sind sie wieder einmal alle beisammen. Wie schön! Oder doch nicht? Was mit einem rauschendes Fest beginnt, endet im Chaos, als ein Sturm über die Insel hereinbricht und die Familie dazu zwingt länger als gedacht beieinander zu bleiben.

Zuhause ist es am Schönsten – sollte man meinen…

Bei so viel familiärer Enge tritt in ZUHAUSE IST ES AM SCHÖNSTEN schnell der ein oder andere unterdrückte Zwist an die Oberfläche. Carlo (Pierfrancesco Favino) der Sohn von Alba und Pietro kämpft mit der Eifersucht seiner Frau Ginevra (Carolina Crescentini). Sie macht ihm eine Szene nach der anderen, weil auch seine Exfrau zu Goldenen Hochzeitsfeier seiner Eltern eingeladen wurde. Schwiegersohn Diego (Giampaolo Morelli) ist mit seinen Gedanken ständig bei seiner Geliebten, die in Paris lebt. Währenddessen nutzt seine Frau die Zeit auf der schönen Ferieninsel dafür, ihn nach allen Regeln der weiblichen Verführungskunst zu bezirzen. Von seiner Geliebten ahnte sie bis Dato nichts – was leider nicht so bleibt. Und dann ist da noch Paolo (Stefano Accorsi), eigentlich bindungsscheu beginnt er eine romantische Affäre mit niemand anderem als seiner Cousine Isabella (Elena Cucci).

Familie – was für ein Chaos

Gefühlschaos pur und nichts läuft wie geplant. Trotzdem versuchen Alba und Pietro, jeder auf seine Art, mit dem Theater fertig zu werden. Alba bemüht sich händeringend die familiäre Idylle irgendwie aufrechtzuerhalten. Während Pietro es kaum erwarten kann, die verrückte Verwandtschaft schnellst möglich wieder loszuwerden.

Regisseur und Drehbuchautor Gabriele Muccino wollte mit ZUHAUSE IST ES AM SCHÖNSTEN “die menschliche Seele und ihre Facetten untersuchen”. Dafür hält er die Lupe über eine italienische Großfamilie und erschafft ein temporeiches Familienporträt, das innerfamiliäre, zwischenmenschliche Dynamiken auf die Leinwand projiziert. Dabei erscheint sein Film einem Röntgenbild gleich, das auf skurrile und doch zugleich auch charmante Weise unsere Gesellschaft zu durchschauen versucht. Was für ein wunderbarer bittersüß-ironischer Film!

Seit 2. August im Kino.

Gewinnen Sie Eintrittskarten zum Kinostart von ZUHAUSE IST ES AM SCHÖNSTEN. Zum Gewinnspiel geht es hier!

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Ein neues Leben beginnt

Zehn Jahre sind vergangen und die schwangere Sophie ist zurückgekehrt auf Kalokairi, die Insel ihrer Kindheit. Nach dem Tod ihrer Mutter Donna (Meryl Streep) hat sie beschlossen, ihr Leben wieder in Kalokairi einzurichten. Sie plant die alte Taverne der Mutter zu sanieren und ihr zu Ehren in das Luxushotel “Bella Donna” umzubauen. Donnas Ehemann Sam (Pierce Brosnan) unterstützen Sophie dabei. Zusammen planen sie eine große Eröffnungsparty. Auch Donnas Jugendfreundinnen Rosie (Julie Walters) und Tanya (Christine Baransky) sind bei den Partyvorbereitungen mit dabei und als Überraschungsgäste dürfen Harry (Colin Firth) und Bill (Stellan Skarsgard) auch nicht fehlen.

MAMMA MIA – wunderschönes Kalokairi

Soweit zum Heute. Doch auch das gestern kommt in diesem Kinomusical zu Wort. In zahlreichen Rückblenden wird die Geschichte der jungen Donna (gespielt von Lily James) erzählt. So trifft die Gegenwart in MAMMA MIA immer wieder auf die Vergangenheit und wir erfahren viel über Donna, wie sie damals auf Kalokairi ein neues Leben begann und dort ihr kleines Hotel eröffnete. Erzählt werden auch die romantischen Liebensgeschichten der möglichen drei Vater von Sophie. Donna hat alle drei im Jahr 1970 kennengelernt – in diesem einen unvergesslichen Sommer. Und so geht in MAMMA MIA! HERE WE GO AGAIN immer wieder die Sonne auf, über der zauberhaften Insel Kalokairi – irgendwo in Griechenland.

Ein schwerer Sturm bahnt sich an

Dann scheint ein schwerer Sturm das nahende Einweihungsfest doch noch zunichte zu machen. Zum Entsetzen aller ist die Insel auch noch von der Außenwelt abgeschnitten. Fällt Sophies Party jetzt ins Wasser? Die werdende Mutter ist verzweifelt. Doch die Wolken verziehen sich. Stattdessen taucht eine prächtige Flotte auf dem glitzernden Wasser auf. Mit an Bord die wichtigsten Gäste, unter anderem auch Sophies Großmutter, die von der fantastischen Cher gespielt wird. MAMMA MIA – So kann die Einweihungsparty mit vielen tollen ABBA-Songs schließlich doch noch beginnen. Und auch Sophie kann endlich das Geheimnis lüften, dass sie seit einiger Zeit unter ihrem Herzen trägt.

Die Sommerparty des Jahres ist bereits am 19. Juli in den deutschen Kinos gestartet!

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Was tun, wenn Liebe zur Gewohnheit wird? Die 75-jährige Candelaria und ihr ein Jahr älterer Ehemann sind genau an diesem Punkt angelangt. Sie haben sich ihr Leben auf Kuba eingerichtet. Es ist bequem. Doch kubanisches Feuer brennt zwischen den beiden schon lange nicht mehr. Bis Candelaria eines Tages eine Videokamera findet und sich ihr Leben mit einem Schlag komplett

verändert…

Wir schreiben das Jahr 1994. Der Inselstaat Kuba durchläuft zu dieser Zeit eine schwere wirtschaftliche Krise. Die Sowjetunion ist zerfallen und damit fällt für Kuba der wichtigste finanzielle Unterstützer weg. Die Menschen in Kuba sind schwer gebeutelt, sie leiden Hunger. Candelaria und ihr Mann scheinen von dieser Krisensituation nichts mitzubekommen. Gefangen in ihrem eigenen, belanglosen Dasein, haben sie ihren Alltag unter Kontrolle. Es läuft ja eh ein Tag ab wie der andere. Monotonie bestimmt ihr Leben.

Eine Videokamera wird zum Mittelpunkt des Lebens

Doch mit einem Mal ist alles anders. Was ist passiert? Candelaria hat in der Schmutzwäsche des Hotels, in dem sie angestellt ist, eine Videokamera gefunden. Von der Neugierde getrieben nimmt sie die Kamera kurzerhand mit nachhause. Unsicher nehmen Victor und Candelaria das Ungetüm unter die Lupe. Beide wissen nicht wirklich, wie mit diesem Gerät umzugehen ist. Aber das ändert sich rasch. Sie beginnen sich zu filmen, beim Tanzen, beim Küssen und irgendwann auch beim Liebe machen. Schritt für Schritt entwickelt sich die Videokamera zum Mittelpunkt ihres gemeinsamen Lebes und hilft ihnen dabei, die Liebe und das Leben wieder ganz neu zu entdecken.

Wo ist die Kamera?

Als die Kamera eines Tages wie vom Erdboden verschluckt ist, bricht für Candelaria eine Welt zusammen. Wie konnte es passieren, dass diese eine Kamera, die ihnen beiden den Sinn des Lebens zurückgebracht hat, plötzlich verschwunden ist. Da hilft nur eins: Sie müssen sie wiederfinden. Koste es, was es wolle. Und Victor weiß auch schon wo er suchen muss. Es gibt nur einen Ort in Kuba, an dem alles Gestohlene und Verlorengegangene wiedergefunden werden kann: „El Hormigueo“. Ein sehr gefährlicher Ort. Doch Victor ist bereit alles zu tun, um diesen Schatz für seine Candelaria wiederzufinden.

Candelaria – eine Geschichte, wie sie das Leben schrieb

Candelaria beruht auf einer wahren Geschichte, verrät Regisseur Jhonny Hendrix Hinestroza, der selbst in Kuba geboren wurde. Er ist davon überzeugt, dass “um einen großartigen Film machen zu können, muss man die Geschichte zuerst selbst erlebt haben.” So sei er vor einigen Jahren nach Kuba eingeladen worden, um dort einen seiner Filme im Rahmen des Havanna Film Festivals vorzustellen. Bei einer seiner Touren durch die engen Gassen von Havanna sei ihm nun diese ältere Dame über den Weg gelaufen. Er kam mit ihr ins Gespräch und sie erzählte ihm eine ungewöhnliche, eine sehr persönliche Geschichte, die Geschichte von Candelaria und ihrer großen Liebe Victor.

Kinostart: 5. Juli

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Was ist zu tun, wenn einem sein Leben auf einmal langweilig erscheint? Das fragt sich in SWIMMING WITH MEN auch Eric. Der gelangweilte Ehemann, Buchhalter und leidenschaftliche Schwimmer findet allerdings recht unerwartet eine ungewöhnliche Lösung für sein Problem und stellt damit nicht nur sein Leben, sondern auch das seiner kompletten Familie auf den Kopf.

Eric, der Buchhalter und gelangweilte Ehemann, steckt mitten in der Midlife-Crisis. Seine Frau wird als Lokalpolitikerin immer erfolgreicher, sein Teenager-Sohn entfremdet sich immer mehr von ihm und er selbst langweilt sich schrecklich. Irgendwie scheint Eric seinem täglichen Hamsterrad als Buchhalter nicht entkommen zu können.

SWIMMING WITH MEN: die rhythmisch-elastische Männertruppe

Bis er eines Abends ganz unerwartet eine Entdeckung macht. Gerade als Eric seine gewohnten, abendlichen Bahnen im Schwimmbad zieht, bemerkt er plötzlich etwas Merkwürdiges: Eine bunt zusammengemischte Männergruppe gleitet in rhythmischen Bewegungen durchs Becken. Quasi nebenbei bekommt er mit, dass dieser Truppe noch ein Synchronschwimmer fehlt. Soll er es wagen und mitmachen? Erik tut’s und wird in der herzlichen Amateurtruppe freundlich aufgenommen. Kann er mit dieser Truppe tatsächlich beweisen, dass mehr in ihm steckt als ein langweiliger Buchhalter?

Dem Leben neuen Sinn geben

Im Zentrum von SWIMMING WITH MEN stehen Männer im sogenannten besten Alter. Die Mitte ihres Lebens haben sie erreicht, Träume verwirklicht und auch Enttäuschungen erlebt. Irgendwie scheint es bei allen nicht mehr richtig zu laufen. Die Möglichkeiten gehen Ihnen aus oder auch das Testosteron. Angeschlagenen Helden also, die ihre Erfüllung im Schwimmbecken finden. Gemeinsam sind sie in der Lage, bemerkenswerte Dinge zu leisten. Vielleicht auch ungewöhnliche Dinge, aber zumindest haben sie es geschafft, ihrem Leben wieder einen Sinn zu geben.

Das Regelwerk des Schwimmclubs

Lange ist es her seit Eric sich so gut fühlte. Der Zusammenhalt in der Gruppe, die gemeinsame sportliche Aktivität, das nach ihm Spaß. Als alter Buchhalter weiß er natürlich auch das Regelwerk des Schwimmclubs zu schätzen. Oberste Prämisse: was im Becken passiert, bleibt im Becken.

• Regel 1: Niemand spricht über den Schwimmclub. Was ins Becken geht, bleibt im Becken. Alle sollten sich ernsthaft bemühen, anwesend zu sein.
• Regel 2: Eine Stunde pro Woche schwimmen wir zusammen als eine Einheit.
• Regel 3: Dein Privatleben ist genau das. Lass es draußen. Keine Fragen, kein Erzählen.
• Regel 4: Der Club soll den Sport unterstützen als dopingfreie Aktivität.
• Regel 5: Wir sind so stark wie unser schwächstes Mitglied.

Schwimmen ist das Eine – Synchronschwimmen das Andere

Eine der wohl größten Herausforderungen in SWIMMIN WITH MEN waren ohne Zweifel die Schwimmübungen. Wie um alles in der Welt bringt man “normalen” Schauspielern derartige akrobatischen Bewegungen bei – im Wasser und dann auch noch Männer? Für den Regisseur Oliver Parker kam der Einsatz von Doubles nicht in Frage. Also blieb nur eins: Die Schauspieler mussten ins Schwimmausbildungslager. Und was am Ende dabei rauskam ließ nicht nur den Regisseur staunend zurück.

Britischer Humor at it´s best

In SWIMMING WITH MEN zeigt sich britischer Humor von seiner besten Seite. Dabei versammelt Regisseur Oliver Parker ein hochkarätiges Ensemble um sich. Schauspielergrößen wie Jim Carter („Downton Abbey“), Rupert Graves („Sherlock“) und Adeel Akhtar (FOUR LIONS) sowie der Comedy-Star Rob Brydon als Eric geben im und neben dem Wasser ihr Bestes. Als weiblicher Charakter-Star verdreht Charlotte Riley („Die Tore der Welt“, LONDON HAS FALLEN) als toughe Bademeisterin den Männern nicht nur den Kopf, sondern macht sie auch fit für die anstehenden Synchronschwimm-Meisterschaften. Wer wieder mal herzlich lachen möchte, für den ist SWIMMING WITH MEN ein Muss.

Kinostart: 7. Juni

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Romy Schneider – wer erinnert sich nicht an die Grand Dame des französischen Films oder an ihre unvergessliche Rolle als Sissi, dem Welterfolg der 50er Jahre. In 3 TAGE IN QUIBERON wirft die Regisseurin und Filmemacherin Emily Atef einen ganz speziellen Blick auf diese so besondere Frau, Romy Schneider, von der man sagt, sie starb an gebrochenem Herzen.

Marie Bäumer als Romy Schneider in 3 TAGE IN QUIBERON

Wir schreiben das Jahr 1981. Romy Schneider, gespielt von der wunderbaren Marie Bäumer, verbringt ein paar Tage im Quiberon, einem kleinen Kurort in der Bretagne. Eigentlich wollte sie sich dort zusammen mit ihrer Freundin Hilde (Birgit Minichmayr) ein paar Tage Ruhe gönnen. Abstand von allem, vor allem von dem Trubel um ihre Person. Dennoch willigt sie ein, trotzt vieler negativer Erfahrungen mit der Presse, dem STERN ein ausführliches Interview zu geben. So findet sie sich wieder im Gespräch mit dem Reporter Michael Jürgs (Robert Gwisdek) und wird dabei quasi dauerhaft umringt von Robert Lebeck (Charly Hübner). Er soll die Fotostrecke zum Interview erstellen.

3 TAGE IN QUIBERON: von einer Fotostrecke inspiriert

An dieser Schwarz-Weiß-Fotostrecke hat sich die Idee zum Film letztlich auch entzündet. Sie liefert den Grund dafür, dass Emily Atef den Film ebenfalls komplett in Schwarz-Weiß gedreht hat. Inspiriert von den sehr persönlichen Aufnahmen entwickelt sich 3 TAGE IN QUIBERON zu einem über drei Tage andauernden Katz- und Mausspiel zwischen der sensiblen, widersprüchlichen, von Selbstzweifel geplagten Romy Schneider und dem Journalisten Robert Lebeck.

Im Spannungsverhältnis zwischen Privatperson und Öffentlichkeit

Dabei ist Atefs Schwarz-Weiß-Leinwandepos viel mehr als ein kurzer Ausschnitt aus dem Leben eines Filmstars. In 3 TAGE IN QUIBERON wird eine hochbegabte, sensible Romy Schneider porträtiert. All ihre Widersprüchlichkeit, ihre Zerbrechlichkeit tritt an die Oberfläche. Dabei schafft der Film gekonnt den Bogen und stellt ganz allgemein das Spannungsverhältnis zwischen öffentlicher und privater Person ins Rampenlicht. Insgesamt liegt Emily Atef aber sehr viel daran, weniger den Star dafür vielmehr den Menschen Romy Schneider darzustellen. Und das gelingt ihr auf sehr eindrückliche Weise, nicht zuletzt auch dank Marie Bäumers hervorragender schauspielerischer Leistung.

3 TAGE IN QUIBERON ist ein Film, der den Zuschauer mitnimmt und berührt. So kommt es nicht von ungefähr, dass er in zehn Kategorien für den Deutschen Filmpreis in Berlin nominiert ist, der am 27.04. vergeben wird.

Kinostart: 12. April

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VOR UNS DAS MEER – ist eine unglaubliche Geschichte über einen Mann, ein Segelboot und einen Segeltörn um die Welt. Die Rede ist von Donald Crowhurst (Colin Firth), dem gewieften Erfinder und erfolglosen Geschäftsmann, der sich auf ein waghalsiges Rennen einlässt: eine Weltumsegelung, allein in einem Boot, in der Hoffnung auf Ruhm und das große Geld.

Der Film VOR UNS DAS MEER basiert auf einer wahren Geschichte. 1968 tritt der unerfahrene Amateursegler Donald Crowhurs beim Sunday Times Golden Globe Race an. Sein Ziel ist es, als schnellster Mann alleine in einem Segelboot und ohne Zwischenstopp die Welt zu umrunden. Aus Geldmangel lässt er sich auf dieses unkalkulierbare Abenteuer ein, denn seine Firma steht kurz vor dem Ruin. Zudem müssen Frau und vier Kinder versorgt werden. Grund genug um beim Sunday Times Golden Globe Race an den Start zu gehen – findet er.

VOR UNS DAS MEER und ein unkalkulierbares Abenteuer

Zeit seines Lebens ist Donald Crowhurs eine charismatische Persönlichkeit, selbstsicher und voller Selbstvertrauen. Als Erfinder des «Navicator», das ist ein Peilfunkgerät für die Navigation in der Privatschifffahrt, hat er es bereits zu Ruhm und Geld gebracht. Doch beides ist mittlerweile verflogen, das Geld dahin und die Firma bankrott. Dennoch versteht er es nach wie vor, die Menschen von sich und seinen Ideen zu überzeugen. So gelingt es ihm leichterhand einen Sponsor zu finden. Dieser baut und finanziert ihm eine einem Trimaran (Dreirumpfboot) das den Namen «Teignmouth Electron», mit dem Crowhurs alleine die Welt umsegeln möchte.

Alles ist geplant. Doch die Zeit wird knapp. Zu knapp. Deshalb muss Crowhurs mit einem halbfertigen Boot Hals über Kopf in See stechen. Zunächst ist Crowhurs noch zuversichtlich. Er ist überzeugt davon, dass er trotz seiner geringen Segelerfahrung, dieses Rennen gewinnen kann. Sein Ziel ist es mit dem Preisgeld und den Einnahmen aus zusätzlich geplantem Buch­ und Werbeverträgen endlich seine Schulden abtragen und seiner Familie ein sorgenfreies Leben ermöglichen zu können. Doch er überschätzt nicht nur die Technik und die Möglichkeiten seines Segelboots. Er überschätzt vor allem sich selbst. Und genau diese Tatsache soll ihm alsbald zum Verhängnis werden.

Ein klassischer Fall von Selbstüberschätzung

Regisseur James Marsh ist es mit VOR UNS DAS MEER gelungen den Charakter des Erfinders Crowhurst einzufangen. Der Film liefert tiefe Einblicke in die Psyche eines Menschen, der große Ziele hat und mit aller Macht daran festhält, obwohl er bereits weiß, dass die Unternehmung zum Scheitern verurteilt ist. Er legt dar, was die Einsamkeit vieler Monate auf hoher See aus einem Menschen macht und was diese Vereinsamung mit ihm und seinem Verstand anstellt.

Crowhurst «war ein recht unerfahrener Segler, aber auch nicht so unerfahren, wie manche Leute meinen. Er hatte einen schnellen Trimaran gebaut, das Boot war allerdings noch nicht fertig und nicht richtig getestet worden. Er legte bei der geplanten Weltumsegelung einen guten Start hin und verbrachte mehr als sieben Monate auf dem Ozean – alles in allem erreichte er viel mehr als die Leute für möglich hielten. Er erreichte bloß nicht das Ziel, das er sich gesetzt hatte. Es war ein klassischer Fall von Selbstüberschätzung. Er wollte zu viel und das führte zu der Tragödie seines Todes”. betont James Marsh.

Kinostart ist am 29. März 2018

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LUCKY (Harry Dean Stanton) hat die 90 bereits überschritten. Er verbringt seine Tage aber nach wie vor mit altbekannten Ritualen, morgens Yoga und einen kühlen Eiskaffee. Den Tag über eine Packung Zigaretten rauchen und am Abend Bloody Mary trinken gepaart mit philosophischen Gesprächen in einer Kleinstadt-Bar. Viel mehr Alternativen hat ihm das verschlafenen Wüstenstädtchen irgendwo im Nirgendwo Amerikas sowieso nicht zu bieten.

LUCKY: der schrullige Provokateur vom Rande der Stadt

Bislang ist LUCKY pumperlgesund. Er ist zwar  klapperdürr, aber trotz seines hohen Alters plagen ihn keinerlei größere Zipperlein. Zudem ist er ein himmlischer Provokateur. Der überzeugte Atheist versteht es ganz wunderbar, seine Mitmenschen mit einem frechen Spruch immer wieder aus der Reserve zu locken. Dennoch mag den schrulligen Alten eigentlich jeder.

Luck fühlt sich auch nicht einsam. Er lebt zwar allein in seiner kleinen Hütte am Stadtrand, aber das tut er mit Stolz. Seine Devise lautet: „Es besteht ein Unterschied zwischen allein sein und einsam sein“. Und für ihn mag das wohl zu hundert Prozent zutreffen, denn LUCKY hat alles was er braucht. Sein Häuschen, Freunde, die er tagtäglich trifft und natürlich die abendlichen Gespräche mit Freund Howard (David Lynch) in der Bar bei einer leckeren Bloody Mary.

Wir alle werden alt

Doch einer morgens kippt LUCKY bei seiner täglichen Routine plötzlich um. Was ist bloß los mit ihm? Besorgt geht er zu seinem Arzt Dr. Kneedler (Ed Begley Jr.), der ihm zwar bestätigt, dass ihm nichts fehle, außer dass er mittlerweile zu den Senioren zählt und darüber hinaus auch noch jeden Tag älter wird – wie wir alle eben – und er solle sich doch bitte so langsam darauf einstellen, dass seine Tage gezählt sind.

Das hat gesessen. Nach diesem Arztbesuch ist alles anders. Dem alten Mann fällt es auf einmal schwer, seine lieb gewonnenen Rituale fortzuführen. Dabei fühlt er sich von Tag zu Tag schlechter und die Bewohner des kleinen Wüstenstädtchens machen sich allmählich wirklich Sorgen um ihr Urgestein.

Wann ist es Zeit, Abschied zu nehmen?

An dieser Stelle beginnt der eigentliche Kern des Films. LUCKY beginnt sich allmählich von seinem Leben und seinen Lieben zu verabschieden. Und dieses Abschiednehmen transportiert dieser Film auf ganz besondere Weise. Hier verabschiedet sich nicht nur die Filmfigur LUCKY. Hier verabschiedet sich auch der Hauptdarsteller Harry Dean Stanton von seinem Filmpublikum, denn LUCKY sollte sein letzter Film sein, bevor Stanton im September 2017 verstarb.

Dabei gelingt es den Filmemachern, Filmfigur und reale Person miteinander verschmelzen zu lassen. So erzählt LUCKY irgendwie vom Sterben, aber eigentlich vielmehr vom Abschiednehmen. Man mag den Film als traurig empfinden, er zeigt aber auch das Glück, das im Abschiednehmen enthalten sein kann. Er vermittelt den trostbringenden Eindruck eines gelungenen Lebens – auf und auch abseits der Leinwand. Und zum Abschied schenkt uns Harry Dean Stanton alias LUCKY noch einmal sein wunderschönes Lächeln.

LUCKY ist seit heute in den Kinos!

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Von einer einzigen Entscheidung kann das Schicksal vieler Menschen, vielleicht sogar einer ganzen Nation abhängen. Und vor genau so einer Entscheidung steht Katharine „Kay“ Graham, DIE VERLEGERIN der renommierten Washington Post. Soll sie über die Pentagon-Papiere, den gigantischen Vertuschungsskandal im Weißen Haus, berichten oder nicht?

Anfang der 1970er-Jahre steht Katherine (Meryl Streep) als erste weibliche Verlegerin an der Spitze des Verlages, der die Washington Post herausbringt. Als Frau in dieser Postion hat sie es ohnehin schon nicht leicht. Erschwerend kommt hinzu, dass ihr Chefredakteur Ben Bradlee (Tom Hanks) über die Pentagon-Papiere berichten möchte. In diesen gigantischen Vertuschungsskandal sollen insgesamt vier US-Präsidenten verwickelt sein.

Es beginnt ein nervenaufreibender Kampf um die Freiheit der Presse. Aber vor allem geht es in DIE VERLEGERIN um die Macht der Wahrheit und das Schicksal einer Frau, die es in die Chefetage eines wichtigen Unternehmens geschafft hat. An ihrer Seite Chefredakteur Ben. Zusammen riskieren sie alles: Die Zukunft der Zeitung und nicht zuletzt auch ihrer beiden Karriere stehen auf dem Spiel. Dabei sehen sie sich keinem mächtigeren Gegner gegenüber als der US-Regierung.

Die Verlegerin – mit Meryl Streep und Tom Hanks in den Hauptrollen

Der Film DIE VERLEGERIN wird getragen von einem hervorragenden Schauspieler-Ensemble – allen voran Meryl Streep und Tom Hanks in den Hauptrollen. Streep alias Graham, die Chefin ohne Erfahrung, die sich in einer für Frauen völlig neuen Welt behaupten muss, und Bradlee, der abgebrühte Zeitungsmann, immer auf der Jagd nach dem nächsten Knüller und ständig im Kampf mit den Grundprinzipien der Wahrheit.

Was hat es mit den Pentagon-Papieren auf sich?

Die sogenannten Pentagon-Papiere zählen zu den ersten Leaks der Pressegeschichte. Im Detail ging es dabei um einen 7.000-seitigen Bericht aus dem Jahr 1967 mit höchsten Geheimhaltungsstufe. Es trug den prosaischen Titel: „Geschichte US-amerikanischer Entscheidungsfindungen in Vietnam, 1945–1966.“, ging allerdings unter dem gängigeren Begriff Pentagon-Papiere in die Weltgeschichte ein.

Inhalt der Papiere sind Informationen rund um die Rolle der amerikanischen Regierung im Vietnam-Krieg. Die Papiere legen dar, dass die vier Präsidenten Truman, Eisenhower, Kennedy und Johnson das amerikanische Volk systematisch belogen haben. Während die CIA und Militär hinter den Kulissen die Kriegshandlungen in Vietnam ausweiteten, wurde dem amerikanischen Volk vorgegaukelt, dass die Regierung sich um Frieden bemühte. Das Papier legt die Missachtung Genfer Konventionen offen, bietet zahlreiche Belege für Attentate, manipulierte Wahlen und andere Lügen. Neben der Watergate-Affäre zählen die Pentagon-Papiere zu den größten Skandalen der US-amerikanischen Politgeschichte.

Mut zur Wahrheit

Diese brisante Geschichte aus den 70er-Jahren des vergangenen Jahrhunderts bündelt sich in einem spannenden Film, dessen Aktualität niemand verleugnen mag. Immer wieder ist der Mensch und die Menschheit mit Entscheidungen konfrontiert, die einschneidende Veränderungen für eine Nation oder gar die ganze Welt bedeuten könnten.

Diesen historischen Umwandlungsprozess der 1970er-Jahre verarbeitet Spielberg in seinen Film DIE VERLEGERIN. Er erzählt die Geschichte mitreißend und schonungslos zugleich. Und nimmt uns mit in die Welt der Zeitungsreportagen. Im Kern geht es um die Macht der Wahrheit, um die Angst vor den daraus resultierenden Veränderungen, um die Kraft der persönlichen Beziehungen und vor allen Dingen um die Frage: Wann es Zeit ist, auf eine drohende Gefahr mit nationaler Brisanz öffentlich hinzuweisen, auch dann wenn absolut klar ist, dass mit dieser Veröffentlichung, mit dem Mut zur Wahrheit unglaublich viel auf dem Spiel steht?

Kinostart: 22. Februar

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Man könnte das Leben der Jeanette Walls und ihrer Familie als unkonventionell bezeichnen. Doch das wäre irgendwie zu wenig, zu farblos, zu normal. Und das Leben der Familie Walls war alles andere als normal. Jeannettes Eltern Rex und Rose Mary waren das, was man landläufig als Freigeister bezeichnen kann. Irgendwo am Rande der Gesellschaft führten sie mit ihren Kindern ein Leben in Armut. Sie hausten im Auto oder lebten in heruntergekommenen Bruchbuden. Eine Schule sahen die Kinder nur selten von innen und das meiste Geld ging für den Alkohol des Vaters drauf.

Ein Leben in unserem Schloss aus Glas

In den wenigen nüchternen Momenten des Vaters zog er seine Kinder mit fantastischen Geschichten in den Bann. Er erklärte Ihnen die Wunder dieser Welt, brachte Ihnen die Wissenschaft näher und bestärkte sie in den Glauben an ihr Schloss aus Glas. Jenem fantastischen, solarbetriebenen Traumhaus, das er für seine Familie irgendwann einmal bauen würde. Man muss kein Prophet sein, um zu wissen, dass es dieses SCHLOSS AUS GLAS nie geben wird und doch steht eben dieser Ausdruck für das Schöne und gleichzeitig auch die Zerbrechlichkeit dieser Familie, die unter dem teuflisch charismatischen Vater und einer völlig überforderten Mutter litt.

Du musst dich deiner Vergangenheit stellen

Irgendwann strandete die Familie dann doch irgendwo in den Appalachen in einer heruntergekommenen Bruchbude, die zum Sinnbild ihres Glasschlosses wurde. Jeannette träumte von Flucht und die zog sie irgendwann auch durch. Doch auch lange nachdem sie die Appalachen hinter sich gebracht und alle Brücken zu ihrer Familie abgebrochen hatte, lies sie die Vergangenheit einfach nicht los. Sie musste sich ihr stellen um sich irgendwann mit ihrer Familie wieder versöhnen zu können. Nur so schließt sich der Kreis. Und so begann sie SCHLOSS AUS GLAS zu schreiben. Jeanette Walls brachte ihre Lebensgeschichte, die wilden Jahre ihrer Jugend, aufs Papier. Was schließlich in einem unglaublich erfolgreichen Roman mündete, der in insgesamt 23 Sprachen übersetzt und in 30 Ländern veröffentlicht wurde, fand 2017 den Weg auf die Leinwand und ist jetzt auch als DVD erhältlich.

Chaotisch, problematisch und doch so liebenswert

Rückblickend erkennt Jeanette, dass ihre Familie, so verrückt sie auch sein mag, doch einfach ihre Familie ist, die sie liebt. Auch wenn das Leben sie alle auf eine harte Probe gestellt hat, wenn sie nie in Reichtum, stattdessen in ständiger Armut und Entbehrung leben mussten. Im Kern geht es darum, dass wir unser Liebe und unsere Lieben festhalten müssen, denn schließlich sind sie doch Teil unseres Lebens.

,,Das ist für mich mit das Schönste daran, dass ich meine Geschichte aufgeschrieben habe: Die Leser verstehen sie teils besser als ich selbst”, sagt Wells. ,,Es gibt so viele, denen es ähnlich ergangen ist, jedenfalls im Kern. Durch diese Geschichte von großer Entbehrung und großem Reichtum habe ich nicht nur meine Kindheit aufgearbeitet, die ich lange Zeit verdrängt hatte. Ich habe auch eine Verbindung zu anderen Menschen aufgebaut.”

Und wir verlosen diesen wunderbaren Film SCHLOSS AUS GLAS auf DVD und Blu-Ray – zum Gewinnspiel geht es hier lang. Viel GLÜCK!
Das Gewinnspiel endet am 08.03.2018.

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Hätten Sie das gedacht: Die kleine Hexe ist auch schon 59plus. Seit nunmehr 60 Jahren begeistert der Kinderbuchklassiker aus der Feder von Otfried Preußler Kinder und Senioren gleichermaßen. Nun kommt die erste Realverfilmung mit Karoline Herfurth auf die große Filmleinwand und bietet damit eine wunderbare Gelegenheit, um mal wieder mit den Enkeln ins Kino zu gehen.

Generationen von Kindern haben die kleine Hexe geliebt. Geben Sie es zu, Sie haben das Kinderbuch auch noch irgendwo im Schrank oder vielleicht auch schon an Kinder und Enkel weitergegeben. Wie schön, dass die Geschichte jetzt endlich verfilmt wurde.

Die kleine Hexe und das Thema Alter

Gespielt wird die kleine Hexe von der ganz wunderbare Karoline Herfurth. Sie schlüpft in die Rolle der erst 127 Jahre alten Hexe, klopft Zaubersprüche und schwingt sich auf ihren fliegenden Besen. Hui, hui geht es durch die Luft mit dem Ziel Walpurgisnacht. Dort möchte sie gemeinsam mit ihren Hexen-Kolleginnen endlich einmal an dem wichtigsten Fest aller Hexenfeste teilnehmen. Sie möchte mit den anderen Hexen singen und tanzen – am liebsten die ganze Nacht hindurch. Dumm nur, dass die kleine Hexe erst 127 Jahre alt und damit noch viel zu jung ist, um an der Walpurgisnacht teilzunehmen. Jaja, die kleine Hexe gehört noch nicht zu den Senioren. Da muss sie sich wohl noch ein wenig gedulden.

Gute Hexe – böse Hexe

Doch Geduld ist nicht wirklich ihre Stärke. Deshalb schleicht die kleine Hexe heimlich auf das Fest. Unbemerkt mischt sie sich unters Hexenvolk und wird doch erwischt. Mist. Die Strafe folgt natürlich auf dem Fuß. Sie muss innerhalb eines Jahres alle Zaubersprüche auswendig lernen, die im großen magischen Buch enthalten sind. Ein schier unmögliches Unterfangen. Und doch macht sich die junge Hexe gemeinsam mit ihrem sprechenden Raben Abraxas ans Werk und stellt dabei die komplette Hexenwelt auf den Kopf. Dabei ist sie weder fleißig, noch ehrgeizig. Und dann kommt ihr auch noch die böse Hexe Rumpumpel (Suzanne von Borsody) in die Quere. Sie versucht zu verhindern, dass die kleine Hexe wirklich beweisen kann, was für eine gute Hexe sie ist.

Otfried Preußlers erfolgreiche kleine Hexe

Das Kinderbuch „Die kleine Hexe“ zählt neben „Räuber Hotzenplotz“ zu Otfried Preußlers bekanntesten Kinderbuchfiguren. Vor 60 Jahren ist der Kinderbuchklassiker im Stuttgarter Thienemann Verlag erschienen. 2017 entstand unter der Regie von Michael Schaerer die erste Realverfilmung des Kindebuchklassikers mit Karoline Herfurth in der Hauptrolle. Sie spielt die junge Hexe, die mit ihrem aufmüpfigen Wesen die ganze Hexenwelt durcheinanderbringt. In der Rolle ihrer Gegenspielerin, der Wetterhexe Rumpumpel glänzt Suzanne von Borsody.

Kinostart: 1. Februar 2018

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Herzzerreißend, herzerwärmend und einfach herzlich – WUNDER, ein Film über äußere Schönheit und innere Werte. Über die bedingungslose Liebe einer Mutter und über die Kraft der Freundschaft, über Mut, Selbstvertrauen und die Tatsache: Wer etwas Besonderes ist, muss sich nicht verstecken.

Doch genau das hat „Auggie“ Pullmann (Jacob Tremblay) jahrelang getan. Wegen eines Gendefekts sieht er anders aus als die anderen. Sein Gesicht ist entstellt. Doch er ist schlau, sehr schlau. Also finden seinen Eltern, dass der mittlerweile 10-jährige Junge, endlich eine reguläre Schulklasse besuchen soll. Bislang wurde er zuhause unterrichtet.

Eine echte Herausforderung für Auggie, der das Haus normalerweise nie ohne Astronautenhelm auf dem Kopf verlässt, denn darunter kann er sein entstelltes Gesicht so gut verstecken. Doch der Junge ist stark, er hat tolle, humorvolle Eltern (gespielt von Julia Roberts und Owen Wilson) und eine ganz wunderbare Schwester. Sie alle geben ihm die Kraft, in der Schule zwischen all den anderen Kindern auch ohne Helm zu bestehen. Und das ist nicht einfach, denn gerade Kinder sind gnadenlos ehrlich, ohne Rücksicht auf Auggies Gefühle und sie können dabei sehr verletzend sein.

WUNDER – ein Geschichte, die Menschen bewegt

Die Buchvorlage zum Film ist der sensationell erfolgreiche, gleichnamige Roman „Wunder“ aus der Feder von R.J. Palacio. Dieser Roman erzählt die Geschichte um Auggie der an einer kraniofazialen Fehlbildung leidet. Das ist ein seltener Gendefekt, der sein Gesicht entstellt. Humorvoll, aber auch sehr sensibel gibt der Roman dem Leser Einblick in die Welt dieses Jungen und seiner tollen Familie. Geschrieben aus drei Perspektiven, wobei Auggies Perspektive natürlich die intensivste ist, beschreibt er nicht nur das Leben dieses Jungen, sondern hält vor allem auch der Gesellschaft einen Spiegel vor.

Und genauso macht es der Film auch. Gezeigt wird eine Gesellschaft geprägt von Äußerlichkeiten, in der wir kaum noch wahrnehmen, was sich eigentlich hinter der Fassade unseres Gegenübers verbirgt. Fasziniert von äußerlicher Schönheit, abgestoßen von vermeintlicher „Hässlichkeit“ wird uns hier vor Augen gehalten, wie oberflächlich unsere Gesellschaft geworden ist.

Man sieht nur mit dem Herzen gut…

Doch der Roman und mit ihm auch der Film WUNDER beweisen ganz besondere Weise, wie wir lernen können, wieder gut und gefühlvoll, offen, ehrlich und respektvoll miteinander umzugehen. An dieser Stelle rückt für mich das wunderbare Zitat aus einem anderen Buch in den Vordergrund. „Man sieht nur mit dem Herzen gut, das Wesentliche ist für die Augen unsichtbar“ (aus „Der kleine Prinz). Genau das möchte uns auch der Film WUNDER verdeutlichen – quasi als Aufruf, genau hinzusehen, hinter die Fassade zu blicken und offen auf jeden Menschen zuzugehen. Ein Thema, das nicht besser in unsere heutige Zeit passen könnte.

WUNDER “thematisiert so vieles, woran wir glauben”

Produziert wurde WUNDER von Todd Lieberman und David Hoberman. Als sie das Manuskript zum Film lesen, zögern sie keine Sekunde. ,,Als wir danach telefonierten, waren wir beide in Tränen aufgelöst – und ich schäme mich nicht dafür“, erzählt Hoberman. ,,Todd und ich haben uns sofort in diese wunderschöne Geschichte über Mitgefühl und Freundschaft verliebt.” „Wunder thematisiert so vieles, woran wir glauben“, fährt Hoberman fort. ,,Dazu die vielen verschiedenen Perspektiven, so dass jeder eine Person findet, mit der er sich identifizieren kann. Und was wir am schönsten finden: Der Roman verdeutlicht, dass wir uns alle schon einmal als Außenseiter gefühlt haben, und zeigt, was passieren kann, wenn wir uns anderen öffnen.”

Kinostart: 25.01.2018

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Kleiner Mann ganz groß. So könnte das im Leben von Paul Safranek (Matt Damon) in DOWNSIZING ganz einfach weitergehen. Er will sich und seine Frau auf eine Größe von 12 Zentimeter schrumpfen lassen. Ziel ist es, damit die Überbevölkerung des Planeten zu stoppen. Kleine Menschen benötigen schließlich viel weniger Platz. Kann diese Gleichung wirklich aufgehen?

Eines ist jedenfalls sicher. Die Ressourcen der Erde sind nahezu erschöpft. Wenn die Menschheit so weitermacht, dann kann der Planet uns bald nicht mehr ausreichend versorgen und auch der Platz für alle wird langsam eng. So weit, so gut.

Im Film DOWNSIZING gehen norwegische Wissenschaftler dieses Problem nun ganz pragmatisch an. Sie entwickeln die Methode der Zellularen Miniaturisierung, besser bekannt als Downsizing. Diese Methode lässt Menschen auf ungefähr 12 Zentimeter zu schrumpfen. Sind sie erst mal so klein, dann konsumieren sie deutlich weniger, brauchen weniger Wasser und auch weniger Luft.

Downsizing – oder weniger ist mehr

Prima – Problem gelöst. Das denken sich auch Paul Safranek (Matt Damon) und seine Frau Audrey (Kristen Wiig). Sie überlegen tatsächlich, in der „geschrumpften“ Gemeinde ein neues Leben zu beginnen. Anfängliche Zweifel sind schnell ausgeräumt als sie bei einem Klassentreffen ihren alten Freund Dave (Jason Sudeikis) und seine Frau Carol wiedertreffen. Beide sind nur noch 12 Zentimeter groß und leben ein unfassbar luxuriöses Leben in der geschrumpften Gemeinde namens Leisureland.

Der Sprung ins kleine Glück

Paul und Andrey sind wie hypnotisiert. Ein Leben in Leisureland bringt für die Beiden ab sofort nur noch Vorteile mit sich. Die 100.000 Dollar, die Paul und Audrey aktuell ihr Eigen nennen, sind in der Welt der kleinen Menschen sage und schreiben 12,5 Millionen Dollar wert. Was wäre das für ein phantastisches Leben. Doch wer sich für die Schrumpfung entscheidet, für den muss das Eine klar sein: Einen Weg zurück gibt es nicht. Wer einmal geschrumpft wurde, bleibt auf ewig klein.

Downsizing – kleine Realität trifft auf große Liebe

Ein Jahr später muss Paul allerdings erkennen: Downsizing hat sich für ihn nicht gelohnt. Er ist mittlerweile geschieden und lebt ein frustrierendes Leben als Single in einer Mittelklasse Wohnung. Nichts hat sich in seiner kleinen Welt zum Besseren gewendet – gar nichts. Bis zu dem Tag an dem er Ngoc Lan Tran (Hong Chau) kennenlernt. Sie ist die Putzfrau von Pauls Nachbar, dem serbische Playboy Dusan Mirkovic (Christoph Waltz). Ngoc Lan Tran wurde gegen ihren Willen geschrumpft und was für sie noch viel schlimmer ist: Sie wurde auch aus ihrer Heimat ausgewiesen.

Ngoc Lan Tran wohnt als verarmte Immigrantin in einem riesigen Wohnhaus, mit vielen weiteren verarmten Immigranten zusammen. Hinter traurigen Mauern leben sie ein noch traurigeres Leben. Paul ist geschockt, als er das sieht. Und doch lernt er gerade durch diese vom Schicksal gebeutelte Frau eine Liebe kennen, von der er nicht einmal zu träumen gewagt hätte. Vielleicht ist das nun seine Chance, sein Leben komplett neu zu beginnen.

Freuen wir uns auf ein bittersüßes Science-Fiction-Abenteuer über Paul, den Durchschnittsbürger, für den das Leben noch einmal ein Reset bereithält. Skurril? Vielleicht, aber dennoch sehenswert. Das findet auch der Hauptdarsteller Matt Damon. Für ihn ist Downsizing „Wunderschön. Witzig. Herzzerreißend.“ Na, neugierig geworden?

Kinostart: 18. Januar 2018

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GREATEST SHOWMAN ist ein Epos an die Individualität eines jeden Menschen, an seiner Besonderheit und an den sicheren Glauben daran, dass Träume wahr werden können. Das klingt sehr pathetisch. Ja gewiss, das ist es auch. Doch heruntergebrochen auf diesen außergewöhnlichen Film ist es die Konzentration auf das Spezielle in jedem Menschen und die Möglichkeit, daraus etwas ganz Wunderbares zu machen.

Die Inspiration für GREATEST SHOWMAN lieferte der legendäre P.T. Barnum, der Erfinder der modernen Popkultur. Im Detail geht es um die Geschichte eines Mannes, der es heraus aus bitterer Armut hin zu Ruhm und Reichtum geschafft hat. Phantastische Träumerei hat er ganz kühn angepackt und in die Tat umgesetzt. Eine Geschichte die erzählt werden muss. Das finden zumindest die Macher dieses Films.

GREATEST SHOWMAN – ein Filmdebüt

So kommt es auch nicht von ungefähr, dass GREATEST SHOWMAN das Filmdebüt des australischen Filmemachers Michael Gracey ist. Unterstützt wurde er dabei von keinem Geringeren als Hugh Jackman, der seit vielen Jahren schon versuchte, diese Geschichte auf die Leinwand zu bringen. Die beiden entführen uns in die Welt der großen Zirkusmanege und lassen uns als Zuschauer bei all den mitreißenden Akrobatik-, Tanz- und Gesangseinlagen am Boden und in luftiger Höhe staunend zurück. Untermalt wird das Ganze von einem musikalischen Hochgenuss aus der Feder des Oscar®-nominierten Komponisten John Debney und John Trapanese.

Aus Traum wird Wirklichkeit

Zunächst entführt uns der Film GREATEST SHOWMAN in eine Traumwelt. Doch bei genauerem Hinsehen geht es um Themen wie Selbstbewusstsein, Familie und Liebe. Vor großer Zirkuskulisse wird der Kinobesucher mitgenommen in die 70er-Jahre des vergangenen Jahrhunderts. Mitten hinein in die glanzvolle Ära nach dem Bürgerkrieg in den USA. Gleichzeitig erleben wir die Geburtsstunde der modernen Popkultur mit zahlreichen Gesangseinlagen von Hugh Jackman und seinen Schauspielkollegen.

P.T. Barnum – ein Pionier der Moderne

Doch wer ist dieser P.T. Barnum überhaupt? Filmemacher Gracey sieht in ihm den der Stammvater heutigen Zeiten. Für ihn ist er ein Pionier, ein sozialer Revolutionär seiner Zeit. Ein Mann, der es wie der moderne Steve Jobs oder auch Jay-Z aus der Gosse herausgeschafft und zu großem Erfolg gebracht hat. Dabei steht die Auffassung Branums im Zentrum des Films, dass der Mensch seinen Träumen folgen soll, dass er die graue Welt dafür verlassen muss und einfach einmal abtauchen muss, abtauchen in eine wunderbare Welt der Fantasie – und wo geht das besser als im Zirkus. Barnum gelang damals mit seinen Zirkusshows genau das. Die Menschen wurden aus ihrer grauen Welt gerissen, waren begeistert und inspiriert, das scheinbar Unmögliche selbst auch anzupacken

Jeder von uns ist etwas Besonderes

Barnum war davon überzeugt, dass «jeder von uns etwas Besonderes ist, keiner ist wie die anderen». Und genau diese besonderen Menschen rückte Barnum in seiner Show ins Rampenlicht. So gründete er seine eigen (Zirkus-)Familie, ganz ohne Verwandtschaftsgrad. Für niemanden müssen Träume, Träume bleiben. Was für den eigenen Erfolg zählt sind der eigene Wille, hart zu arbeiten, natürlich auch ein bisschen Talent und sich auf keinen Fall von Rückschlägen entmutigen lassen. Immer wieder aufstehen und weitermachen – das war seine Devise. Und die gilt noch heute. Er hat es allen vorgemacht – und das kann jeder andere auch. Eine tolle Idee für einen Film, Ansporn für jeden und eine ganz wunderbare Botschaft für die Welt!

Kinostart: 4. Januar 2018

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Darfs zum Jahresabschluss noch mal ein spannender Thriller sein? Dann ist THE KILLING OF A SACRED DEER mit Nicole Kidman und Colin Farrell in den Hauptrollen wie für Sie gemacht. Alles beginnt mit der perfekten Familie und mündet in einem schrecklichen Fluch.

Was sich oberflächlich vielleicht bizarr anhört ist allerdings ein phänomenal inszenierter Psychothriller, der in der Presse weltweit großen Anklang findet. Aber von vorn: THE KILLING OF A SACRED DEER handelt von Steven und Anna, einem glücklichen Ärzteehepaar, das in einem idyllischen Vorort Cincinnatis in einem wunderschönen Häuschen lebt. Gemeinsam mit ihren beiden Kindern Kim und Bob führen der erfolgreiche Herzchirurg und die Augenärztin ein beschauliches Leben bis zu jenem Tag, an dem der 16-jährige Halbwaise Martin (Barry Keoghan) in ihr Leben tritt.

Der geheimnisvolle Ersatzsohn

Zunächst freunden sich nur Steven und Martin an. Sie treffen sich heimlich. Seine Familie erfährt von dem geheimnisumwobenen Ersatzsohn erst, als er ihn zu sich und seiner Familie nachhause einlädt. Und allmählich kommt mehr von der Wahrheit um diese bizarre Vater-Ersatzsohn-Freundschaft ans Tageslicht. Martins leiblicher Vater hatte vor Jahren einen schweren Autounfall und wurde damals von Steven behandelt. In Folge des schweren Unfalls starb Martins Vater. Doch das erfährt bis dato noch niemand. Zudem ist die komplette Familie von Martin sehr angetan. So ein höflicher junger Mann – und er raucht, das findet die Tochter des Hauses natürlich sehr anziehend.

Noch scheint alles gut und niemand schöpft Verdacht. Zumindest solange bis Martin versucht, Steven und seiner alleinstehenden Mutter zu verkuppeln. Dafür lädt er ihn zu sich nachhause ein. Doch Steven weist die Avancen der Witwe zurück und ergreift die Flucht. Das hätte er besser nicht getan, denn Martin ist darüber so erbost, dass er Stevens Familie mit einem Fluch belegt.

THE KILLING OF A SACRED DEER – skurril aber mit Gänsehauteffekt

Steven bricht jeden Kontakt mit Martin ab. Er will sich und seine Familie beschützen. Aber es ist zu spät. Nach und nach wird Stevens ganz Familie krank. Zunächst Bob, dann Kim und später auch noch Anna. Bei allen beginnt es mit Lähmungen. Doch Martin spricht die verrückte Drohung aus, dass dies erst der Anfang sei und am Ende alle sterben werden – genauso wie damals sein Vater. Endlich kommt zum Vorschein, was dem Zuschauer längst klar ist: Martin ist psychisch krank und gibt Steven die Schuld am Tod seines Vaters. Das ist der Grund für seinen bizarren Racheakt an der Familie des Chirurgen.

Einzig Anna hegt Zweifel an dieser doch so offensichtlichen These. Gemeinsam mit Anästhesist Matthew stellt sie heimlich Nachforschungen an. Was ist damals mit Martins Vater wirklich passiert? Und wer hat Schuld an dessen mysteriösem Tod. Ein psychodelisches Katz-und-Maus-Spiel beginnt, das dem Zuschauer schier den Atem nimmt.

Pressestimmen zu THE KILLING OF A SACRED DEER

„Meisterhaft umgesetzt […] Nicole Kidman ist besser als je zuvor […] Ein Muss für jeden, der sich für mutiges Filmemachen interessiert. Der griechische Regisseur zementiert damit seine Position als einer der interessantesten zeitgenössischen Filmemacher der Welt.“ (Hollywood Reporter)

„Ein hervorragend gemachter Film […] Collin Farrell ist genauso großartig wie in Lanthimos’ letztem Werk THE LOBSTER.“ (The Independent)

„Provokant, beklemmend, aber auch höllisch unterhaltsam und immer fesselnd. […] THE KILLING OF A SACRED DEER ist […] ein brillant inszenierter Film, den man definitiv so schnell nicht wieder vergisst!“ (Filmstarts)

„Ein großartiger Thriller, der gegen Ende herrlicherweise jede Logik verlässt.“ (ttt)

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Was, wenn du alt und krank wirst, was, wenn du allmählich beginnst, dein Leben zu vergessen? Diesen Fragen müssen sich Ella und John stellen. Seit vielen Jahren sind die beiden glücklich verheiratet. Ihre Kinder sind erwachsen und mittlerweile aus dem Haus. Auf einmal scheint es so, als drehe sich Ellas und Johns Leben nun nur noch um ihr fortgeschrittenes Alter und um vielen unsäglichen Arztbesuche. Ella leidet an Krebs im Endstadium und John hat Alzheimer.

DAS LEUCHTEN DER ERINNERUNG an ein glückliches Leben

Das wollen die Eheleute nicht länger hinnehmen und nehmen ihr Schicksal selbst in die Hand. Kurzerhand beschließen Sie, ihr Oldtimer-Wohnmobil namens „The Leisure Seeker“ wieder flott zu machen, um ein letztes Mal auf große Reise zu gehen. So wie früher. So wie es die beiden immer geliebt haben. Weil Ella und John klar ist, dass ihre Kinder von ihren Reiseplänen gelinde gesagt „not amused“ sind, verlassen sie stillschweigend ihr Zuhause in Wellesley, Massachusetts und stellen damit den besorgten Nachwuchs vor vollendete Tatsachen.

Ein unvergesslicher Road-Trip gegen das Vergessen

Für Ella und John beginnt eine wunderbare Reise. Vorangetrieben von ihrer unbeirrbaren Liebe zueinander reisen sie durch ihre Gegenwart und auch durch die Vergangenheit, während immer ungewisser wird, wohin die Zukunft führen mag. Tagsüber unterwegs mit dem Wohnmobil, die Ostküste der USA hinunter bis zum Hemingway-Haus in Key West. Furchtlos begegnen die Zwei dem gegenwärtigen Amerika. Und erleben unterwegs viele schöne, lustige, bisweilen sogar gefährliche und ja, auch urkomische Dinge auf ihrem Road-Trip gegen das Vergessen. Und abends, wenn es dunkel wird, startet Ella dann eine Dia-Show gegen das Vergessen. Gemeinsam sehen sie sich Bilder aus ihrer gemeinsamen Vergangenheit an, um Johns Erinnerungen an sie, ihre Familie und ihre Liebe wachzuhalten.

DAS LEUCHTEN DER ERINNERUNG ab Januar im Kino

Dieser wunderbare Film startet am 4. Januar 2018 in den deutschen Kinos – und wir haben hier schon einen exklusiven Einblick für Sie.  Schauen und lauschen Sie einer Episode aus DAS LEUCHTEN DER ERINNERUNG und erleben Sie, wie gefühlvoll Ella versucht, die Erinnerungen an ein gemeinsames Leben mit und vor allem für John am Leuchten zu erhalten. In den Hauptrollen glänzen die Oscar®-Preisträgerin Helen Mirren und der zweifache Golden Globe®-Gewinner Donald Sutherland alias Ella und John.

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Der plötzliche Tod eines Angehörigen kommt wie AUS DEM NICHTS. Und so passierte es auch Katja. Ein Bombenanschlag reißt ihre beiden Liebsten aus dem Leben und Katja will nur eins: Gerechtigkeit.

Die Liebe zu Mann und Kind bis über den Tod hinaus – das ist das Kernthema dieses Thrillers aus der Feder von Fatih Akin. Ein bewegender Film über Liebe, Trauer, Verzweiflung und den Kampf um Gerechtigkeit.

Nichts ist mehr wie es war

Katjas (Diane Kruger) Sohn Rocco (Rafael Santana) und auch ihr Ehemann Nuri (Numan Acar) sterben bei einem Bombenanschlag. Eben noch hat sie die beiden zum Abschied geküsst, in der sicheren Annahme, sie werden sich bald wiedersehen. Doch nun ist es vorbei, die beiden sind tot, von einer Bombe zerfetzt, die Trennung ist endgültig, Katja ist allein.

Schnell fasst die Polizei das Neonazi-Paar Edda (Hanna Hilsdorf) und André Möller (Ulrich Friedrich Brandhoff). Die beiden gelten als dringend tatverdächtig. Die Indizienlage scheint klar und einige Beweise belasten die beiden schwer.

AUS DEM NICHTS kam der Schmerz und die Trauer

Währenddessen droht Katja immer tiefer in ihrer Trauer zu versinken. AUS DEM NICHTS kam der Tod und brachte ihr Trauer und Tränen. Nur mit Hilfe von Drogen kann sie die Tage überstehen. Dann kommt es zum Prozess und der fordert alle Kraft von Katja. Dem Verteidiger des angeklagten Paares gelingt es auf unsägliche Weise die Beweislast zu zerstreuen und Zweifel an deren Schuld kommen auf.

Es folgt ein Freispruch. Für Katja ein tiefer Schlag. Sie kann es nicht fassen und weiß, dass sie nie und nimmer Frieden finden wird, wenn die Täter nicht ihre gerechte Strafe bekommen. Und so beginnt für die junge Frau ein Kampf um Gerechtigkeit – der ihr noch einmal alles abverlangen wird.

Diane Kruger einmal ganz anders

Wer Diane Kruger aus dem Film Troja kennt wird hier eine ganz andere Frau erleben. Sie spielt die Rolle der mit dem Leben hadernden und verzweifelt kämpfenden Katja so überzeugend, dass es den Zuschauer fast erschauern lässt.

“AUS DEM NICHTS ist ein sehr persönlicher Film geworden” (Fatih Akin)

Und dabei erfüllt sie die Intention von Filmemacher Fatih Akin absolut, denn ihn „interessiert die Idee von Rache. Gibt es sie wirklich? Wer würde sich rächen? Wäre ich in der Lage, mich zu rächen?“ Deshalb ist AUS DEM NICHTS für Fatih Akina auch „ein sehr persönlicher Film geworden. Mir ging es dabei nicht um die Perspektive der Mörder, sondern um die der Opfer. Meine Empathie ist ganz klar bei ihnen, bei diesem Gefühl der Trauer mit all seinen Facetten.“

Kinostart: 23. November

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Königin Victoria und Abdul der Diener

Werfen wir einen Blick nach London, ins Jahr 1887. Prunkvoll wird in VICTORIA und ABDUL das 50-jährige Thronjubiläum von Königin Victoria gefeiert. Die britische Monarchin, gespielt von der wundervollen Judi Dench, ist bekannt für ihre eigensinnige Art. Von ihr hat das Königshaus immer wieder so einiges zu erwarten. Und doch sind alle mehr als erstaunt, als sie den indischen Bediensteten Abdul Karim (Ali Fazal) in ihr Gefolge aufnimmt. Zunächst wird er Diener am Hofe der Königin.

Victoria und Abdul: eine außergewöhnliche Freundschaft

So eigensinnig wie sich Victoria oft zeigt, so distanziert ist sie auch. Doch von ihrem neuen Bediensteten scheint sie fasziniert zu sein. Vor allem die Gespräche mit ihm haben es ihr angetan. Von ihm erfährt sie vieles über die indische Kultur. Sie fühlt sich inspiriert und interessiert. Zudem öffnen ihr diese Gespräche auch die Augen darüber, was sie alles über ihr eigenes britisches Volk noch nicht weiß. Nach und nach entwickelt sich zwischen den beiden eine ungewöhnliche und dabei doch auch tiefe Freundschaft – vom Umfeld misstrauisch beäugt. So etwas gab es schließlich am königlichen Hof noch nie.

Wer um alles in der Welt ist dieser Abdul?

Victoria, die britische Königin, kennt jeder. In VICTORIA und ABDUL lernen wir nun auch diesen Abdul kennen. Und erfahren quasi nebenbei, dass es sich hier um keine Erfindung handelt. Nein, Abdul gab es wirklich. Doch lange Zeit wurde diese Episode aus dem Leben der britischen Königin als Geheimnis gehütet. Sie, die Königin von England, und er, der einfache Schreiber aus Indien, sollen Freunde gewesen sein? Ja, das waren sie wohl und diese Freundschaft versetzte den britischen Hof in eine derartige Schockstarre, dass ihnen dort nichts anderes einfiel, als die Geschichte um VICTORIA und ABDUL einfach mal über ein Jahrhundert lang unter den Teppich zu kehren.

Umso schöner, dass sie der Oscar-nominierte Regisseur und Royal-Experte Stephen Frears endlich für den Kinozuschauer lebendig macht. Feinsinnig und humorvoll macht er sich dieses sensible Thema zu eigen und erzählt eine wunderbare Episode aus dem Leben von Queen Victoria. Dem Kinobesucher präsentiert sich dabei eine Freundschaft über gesellschaftliche und ethnischen Grenzen hinweg, geprägt von gegenseitiger Achtung und Toleranz und damit gleichzeitig auch ein so wichtiges Thema unserer Zeit.

Kinostart: 28. September 2017

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Der 13-jährige Sahim tritt in LITTLE TRERROS in die Fußstapfen seines Bruders, der bereits zum Selbstmordattentäter geworden ist. Nun wird auch Sahim für dieses brutale Ziel ausgebildet. Das allerdings geschieht nicht freiwillig. Irgendwann mitten in der Nacht wird Sahim aus dem Haus seiner Familie entführt. Von dort geht es für ihn direkt in ein Ausbildungscamp, um sowohl physisch als auch psychisch auf seine schreckliche Mission vorbereitet zu werden.

LITTLE TERROS: die Gefahr lebt mitten unter euch

Dabei suchen sich die Terroristen des IS und anderen terroristische Organisation zielgerichtet in Amerika lebende Ausländer aus. Eben solche wie Sahim, der seit einigen Jahren mit seiner Familie in den USA lebt. Damit wollen die Terroristen ein Zeichen setzen. Sahim steht symbolisch dafür, dass Terroristen auch jederzeit mitten aus der amerikanischen Gesellschaft rekrutiert werden können. Sahims höhere Aufgabe ist nun, sich vor der amerikanischen Botschaft in Dehli in die Luft zu sprengen.

Gehirnwäsche vs. Gewissen

Wie unglaublich erfolgreich die Ausbilder mit dieser Methode sein können, zeigt LITTLE TERRORS auf überraschend ehrliche Art und Weise. Auch Sahim ist irgendwann davon überzeugt, dass er die ihm zugeteilte Aufgabe erfüllen muss. Er scheint fest entschlossen, seinen Terrorauftrag in die Tat umzusetzen.

Doch dann wird er bei einer indischen Gastfamilie einquartiert und auf einmal meldet sich sein Gewissen. Zudem kommt ihm zu Ohren, dass seinem Bruder nicht die heldenhafte Ehre eines Selbstmordattentäters zuteil wird, von der man sich vielerorts erzählt. Seine Zweifel an sich und seiner „höheren“ Aufgabe werden immer größer. Doch gibt es jetzt noch einen Ausweg für Sahim?

LITTLE TERRORS – kein leichtes Thema

Trotz aller schauspielerischer Brillianz und politischer Brisanz muss nicht lange erklärt werden: Das bei den IndieFEST Film Awards 2016 mit dem Humanitarian Award ausgezeichnete Drama LITTLE TERRORS ist keine leichte Kost. Seit dem 11. September 2001 ist die Terrorgefahr in unseren Gedanken und Gefühlen fest verwurzelt. Und diese Gefahr spiegelt sich in LITTLE TERRORS auf bedrückende Weise wieder.

Regisseur Maninder Chana nähert sich diesem heiklen Thema in seinem Regiedebüt auf überzeugende Weise. Schnell wird klar, dass man sich hier mit dem Thema Terror und Kinderterrorismus wirklich auseinandergesetzt hat. Der Film behandelt in aufwühlender, mitreißender und intelligenter Art und Weise die brisante Thematik der Ausbildung von Kindern zu Terroristen. So wirkt LITTLE TERRORS tief bewegend und schockierend zugleich.

Kinderterrorismus – Zahlen, Daten, Fakten

Welche menschliche Brisanz das Thema Kinderterrorismus besitzt zeigen umfangreiche Studien. Sie liefern zwar keine eindeutigen Zahlen darüber, wie viel Kinder sich derzeit tatsächlich in der Hand von IS-Terroristen befinden oder wie viele gar zu Terroristen ausgebildet werden.

Oppositionsnahe Beobachter sprechen allerdings von mehr als 400 Kindern und Minderjährigen, die vor Schulen und Moscheen gezielt angesprochen werden. Ein Dokument der Vereinten Nationen aus dem Jahr 2016 nennt 362 Kindern, die für den Syrienkrieg rekrutierten wurden, von denen sich 274 dem IS angeschlossen haben – ob freiwillig oder gezwungenermaßen, weiß allerdings niemand. Zahlen, die einen erschauern lassen.

Seit 7. September auf DVD und Blu-ray erhältlich. Frei ab 16 Jahren.

Oder nehmen Sie an unserem Gewinnspiel zum Film teil. Wir verlosen je 1 x DVD und 1 x Blu-ray von Little Terrors.

Das Gewinnspiel endet am 25.10.2017 um 23:59 Uhr.

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Mit Techno haben Sie so ganz und gar nichts am Hut? Völlig egal, denn MAGICAL MYSTERY ODER DIE RÜCKKEHR DES KARL SCHMIDT ist – ob Sie nun Techno-Fan sind oder nicht – schlichtweg sehenswert. Drehbuchautor und Musiker Sven Regner ist damit knapp 15 Jahre nach HERR LEHMANN erneut ein genialer Film gelungen – was natürlich nicht zuletzt auch der schauspielerischen Qualität von Charly Hübner alias Karl Schmidt zu verdanken ist.

Wir schreiben die Zeit um die Mitte der 90er-Jahre und treffen auf Karl Schmidt. Seine besonderen Kennzeichen sind lange, ungepflegte Haar und ein abgewrackter Style. Herr Schmid hat – damals, vor fünf Jahren – genau am Tag der Maueröffnung einen Nervenzusammenbruch erlitten. Was im einige Jahre in der Klapse eingebracht hat. Heute lebt er in einer tristen Therapie-WG und langweilt sich. Während seine Freund von damals in der Zwischenzeit zu echten Größen in der Technoszene geworden sind.

Fünf Jahre nach HERR LEHMANN

Erinnern Sie sich noch an den Film HERR LEHMANN. Prima, denn daran knüpft MAGICAL MYSTERY ODER DIE RÜCKKEHR DES KARL SCHMIDT direkt an. Wer sich nicht erinnern kann, auch kein Problem. Magical Mystery funktioniert auch für sich selbst. Und wie! Auf seine ganz eigenwillige Art verbindet dieser Film den Hippiegeist der 60er-Jahre mit dem eigenwilligen Rave-Sound der 90er. Und mitten drin Karl Schmid, der sich gerade noch Gedanken machen muss, wo er seinen Jahresurlaub verbringen soll. Dabei hat er eigentlich gar keine Lust auf Urlaub. Als er ganz unerwartet in einem Eiscafé auf seinen alten Kumpel Raimund trifft. Raimund, Inhaber des Techno-Labels Bumm Bumm-Records in Berlin und inzwischen eine große Nummer im Musikbiz, schwärmt von seinem tollen Leben.

Auf geht’s zur MAGICAL MYSTERY-Tour

Karl, von Raimund nur liebevoll Charlie genannt, ist begeistert. Und anstatt wie geplant in die Lüneburger Heide zu fahren, um dort Urlaub zu machen, fackelt er nicht lang und besucht kurzerhand seinen alten Kumpel in Berlin. Bumm Bumm-Records verkauft rund 60.000 Platten am Tag. Und, wow, Charlie ist begeistert. Vor allem allerdings von der wasserstoffblonden Rosa. Aber das ist eine andere Geschichte.

Bumm-Bumm-Records suchen einen Fahrer für die demnächst anstehende Magical Mystery DJ-Tour. Da kommt ihnen Charlie gerade recht. Der will ja eh Urlaub machen – trifft sich also alles ganz wunderbar. Doch zuvor wird Charlie von Ferdi, dem Sprachrohr von Bumm Bumm-Rekords, den Musikern und DJ-Kollegen noch ordentlich vorgestellt. Charlie war nämlich mit der Band Glitterschnitter einst selbst im Begriff ein ganz großer im Musikbiz zu werden. »Da wart ihr alle noch bei eurem Vater im Sack.« erklärt Ferdi und ehe Charlie es sich versieht, sitzt er am Steuer des Tour-Vans. Die Magical Mystery-Tour beginnt. “Magical Mystery – wie bei den Beatles – nur auf Rave.” Herrlich!

Lust auf einen kleinen Vorgeschmack? Bitteschön:

Filmquelle: © DCM

Kinostart: 31. August 2017

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Nach Einschätzung von UNICEF, dem Kinderhilfswerk der Vereinten Nationen, sind aktuell rund 28 Millionen Kinder und Jugendliche unter 18 Jahren auf der Flucht vor Krieg und Terrorismus. Die meisten davon sind unbegleitet, also ohne Begleitung eines Erwachsenen, unterwegs und somit völlig auf sich allein gestellt. EIN SACK VOLL MURMELN greift dieses Thema auf und adaptiert es in der Zeit des Zweiten Weltkriegs. Diese Geschichte spielt in Frankreich und basiert auf den Autobiografischen Erlebnissen des Autors Joseph Joffo. Obwohl mittlerweile fast 80 Jahre verstrichen sind, erzählt EIN SACK VOLL MURMELN die Geschichte von Terror, Krieg und Flucht – aktueller denn je.

EIN SACK VOLL MURMELN – niemand darf wissen, dass wir Juden sind

Paris Anfang der 40er Jahre der 20. Jahrhunderts. In der Hauptstadt ist es für Juden zu gefährlich geworden. Voller Angst und Sorge beschließt die jüdische Familie Joffo, vor den Nazis nach Südfrankreich zu fliehen. Die gemeinsame Flucht scheint allerdings zu gefährlich. Deshalb schicken die Eltern ihre beiden Söhne Joseph und Maurice alleine voraus. Eine abenteuerliche Reise mit schwerer Mission beginnt, denn niemand darf erfahren, dass die beiden Jungs Juden sind.

Reise ins Glück

Hin- und hergerissen zwischen den abenteuerlichen Eindrücken der Reise und der Grausamkeit des Krieges scheint es bisweilen, als genieße Joseph – der Jüngere – ihre Reise ins Glück geradezu. Vielleicht liegt es daran, dass Joseph die Befehle seines Vaters befolgt. Er hat den Jungs eingetrichtert, dass sie, egal was auch passieren mag, wirklich niemals zugeben dürfen, dass sie Juden sind. Es mag aber auch daran liegen, das Joseph sich an fast jede Situation problemlos anpassen kann. Oder vielleicht ist es auch schlichtweg die Hoffnung auf ein Wiedersehen mit den geliebten Eltern. Die beiden Jungs beweisen jedenfalls Einfallsreichtum und Mut. So schaffen sie es irgendwann tatsächlich, in Südfrankreich anzukommen. Dort hoffen sie auf Frieden und Freiheit und darauf, ihre Eltern endlich wiederzusehen. Wird ihnen all das gelingen?

EIN SACK VOLL MURMELN – eine wahre Geschichte

EIN SACK VOLL MURMELN ist die berührende Geschichte der Familie Joffo. Sie basiert auf den Erzählungen über die Erlebnisse der beiden Brüder Joseph und Maurice, die auf ihrem Weg in die Freiheit ungeahnte Kräfte mobilisieren, um ihrem Schicksal zu entkommen. Wunderbar hierbei auch die Leistungen der beiden jugendlichen Darsteller Dorian Le Clech und Batyste Fleurial Palmieri, die in den Rollen von Joseph und Maurice glänzen. Und damit dem Publikum das Thema Flucht und den unabdingbaren Wunsch nach Frieden und Freiheit näher bringen.

“Momentan hallt meine Geschichte besonders laut wider. Aufgrund des Terrorismus müssen auch heute noch Kinder fliehen. … Ich hoffe, der Film bringt uns alle dazu, über das Schicksal dieser Kinder und der zerrissenen Familien nachzudenken.” Joseph Joffo, Autor des autobiografischen Romans EIN SACK VOLL MURMELN.

Seit 17. August im Kino

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Pünktlich zum 80-jährigen Jubiläum der malerische Weinstraße „Route des Grands Crus de Bourgogne” in der französischen Region Burgund kommt Cedric Klapischs DER WEIN UND DER WIND in die deutschen Kinos. Und erzählt die Geschichte einer Winzerfamilie im emotionalen Geflecht zwischen Familientradition, Verantwortung und Selbstverwirklichung. Ganz wunderbar inszeniert auf dem malerischen Weingut Jean-Marc Roulot in Burgund.

In Vino Veritas – und diese Wahrheit hat für die Geschwister einer Burgunder Winzerdynastie noch einmal eine ganz besondere Bedeutung. Was sollen wir mit unserem Leben anfangen? Wo führt uns unser Weg hin und wo können wir schließlich unser persönliches Glück finden?

Wohin der Wein und der Wind und das Leben uns trägt

Diese Fragen stellen sich die drei Geschwister Juliette, Jean und Jérémie. Doch die Zeit drängt. Ihr Vater und Besitzer des Familienweinguts im Burgund liegt im Sterben. Dabei sind Juliette und Jérémie nah im Vater dran. Sie führen mit ihm schon seit Jahren das Winzergut gemeinsam. Jean ist anders. Ihn zog hinaus in die Welt. Jahrelang hörten die Geschwister nichts von ihm. Doch mit dem nahen Tod des Vaters ist die Funkstille zwischen den Geschwistern beendet und Jean kehrt nachhause zurück.

Die Zeit heilt keine Wunden

Das wird in DER WEIN UND DER WIND schnell klar. Zurück im Schoß der Familie brechen alte Wunden wieder auf. Dann stirbt auch noch der Vater. Plötzlich stehen die Kinder alleine da und müssen doch gemeinsam entscheiden, wie es mit dem Weingut weitergeht. Der Film setzt dieses Thema, die Auseinandersetzung der Geschwister mit sich, ihrem Leben und der Tradition der Familie auf seine ganz besondere Weise um. Es geschieht alles im Verlauf eines Erntejahres. Eingerahmt in den Zyklus der Jahreszeiten wird das Leben einer Winzerfamilie erzählt. Alles geschieht in Verbindung zwischen dem Wein, dem Wind und den Menschen. Wie sich die Natur verändert, so verändert sich auch der Mensch. Aus Frühling wird Sommer und der mündet in den Herbst. Aus dem Kind wird der Erwachsene und schließlich vielleicht sogar ein Elternteil. So wie das Leben seine Etappen durchläuft, so verhält es sich auch mit den Jahreszeiten.

DER WEIN UND DER WIND – ein Jahreszeiten-Projekt

So wurde dieser Film über den Verlauf eines ganzes Jahres hinweg produziert. Ein gewagtes und vor allem teures Projekt. Schließlich mussten nicht nur die Schauspieler über ein Jahr hinweg immer wieder am Drehort sein. Auch das komplette Produktionsteam, war quasi ständig am Auf- und Abbauen, denn schließlich wurde auf einem echten Weingut, der Winzerei von Jean-Marc Roulot, gedreht. Und dort musste der Betrieb ja auch weitergehen.

“Ich musste meinen Produzenten Bruno Levy überreden, über den Verlauf eines ganzen Jahres zu drehen. Er hätte es aus Kostengründen viel lieber gesehen, wenn wir nur in zwei Jahreszeiten gefilmt hätten. Aber ich konnte ihn davon überzeugen, dass wir uns dem Zyklus der Natur beugen müssen. Man kann, nur als Beispiel, diese wunderbaren Herbstfarben nicht künstlich herstellen. Man muss vor Ort sein, wenn sie da sind.

Genauso wie im Frühling, wenn die Bäume blühen … Auf einem Weingut, wie dem von Jean-Marc Roulot, dauert die Weinlese in guten Jahren zwischen einer Woche und zehn Tagen. Für die Szene, in denen Ana die Trauben in den riesigen Fässern zerstampft, hatten wir nur vier oder fünf Tage Zeit. Und dann mussten wir einmal im Januar urplötzlich auf das Gut zurück, weil es geschneit hatte … Dieser Film hatte seinen ganz eigenen Drehplan – und den bestimmte ausschließlich die Natur.” (CEDRIC KLAPISCH)

Und doch gelingt dem Regisseur Cédric Klapisch mit DER WIND UND DER WEIN ein ganz wunderbarer Film über das Beziehungsgeflecht dreier ungleicher Geschwister, vollständig verwoben mit dem Wandel der Jahreszeiten und ganz neben bei auch ein filmischer Hochgenuss über die Kunst, sein persönliches Glück zu finden!

Kinostart: 10. August 2017

Der Beitrag DER WEIN UND DER WIND – oder der Weg zum Glück! erschien zuerst auf 59plus.

Mädchen liebt Junge, Junge liebt Mädchen – eine ganz simple Geschichte und doch so groß: DIE GESCHICHTE DER LIEBE. Einst liebte ein Junge dieses wunderbare Mädchen, er versprach ihr ewige Liebe und ein Leben voller Lachen und Glück – bedingungslos und wenn es sein muss auch über alle Kontinente hinweg. So sollte es sein und dann kam doch alles ganz anders.

Kraft und Magie der Worte

DIE GESCHICHTE DER LIEBE beginnt mit Alma und Leo, irgendwo in einem polnischen Dorf in den 30er Jahren des 19. Jahrhunderts. Alma liebt Leo und er liebt sie. Dabei kämpfen auch noch zwei andere junge Männer, Bruno und Zvi, um Gunst und Liebe der schönen Alma. Doch im Grunde hat Leo bereits gewonnen. Er verspricht Alma, sein Leben damit zu verbringen sie zu lieben und glücklich zu machen. Jeden Tag aufs Neue will er sie zum Lachen bringen.

All das, all seine Gefühle und Zukunftspläne für und mit Alma bringt er zu Papier in seiner GESCHICHTE DER LIEBE. Er glaubt an die Kraft und die Magie dieser, seiner und eben aller Worte. So wächst das Ganze allmählich zu einem überdimensionalen Liebesbrief heran, einem Liebesbrief für Alma, seiner “meist geliebten Frau der Welt”. Doch das Schicksal will es anders.

DIE GESCHICHTE DER LIEBE nimmt andere Wege

Der Zweite Weltkrieg trennt die beiden Liebenden. Die Jüdin Alma flieht vor den Nazis nach Amerika. Leo verspricht ihr zu folgen. Alma ist weg. Das Buchmanuskript immer noch bei Leo. Er möchte unbedingt, dass sie es bekommt. Deshalb übergibt er sein Buchmanuskript vertrauensvoll in die Hände seines Freundes Zvi, der nach Chile auswandert, verbunden mit der Bitte, es an Alma in Amerika weiterzuschicken.

Doch der Freund hat anderes vor. Er veröffentlicht DIE GESCHICHTE DER LIEBE in Chile und feiert mit dem Buch dort große Erfolge. Leo weiß davon nichts. Und es kommt noch schlimmer. Als Leo endlich genügend Geld zusammen hat, um zu Alma nach Amerika überzusetzen, ist die dort längst mit einem anderen verheiratet und lebt bereits ihr eigenes Leben – ohne Leo.

Nichts ist je verloren…

Viele Jahrzehnte vergehen. Die Liebe von Alma und Leo scheint längst verloren. Dabei entwickelt sich parallel eine neue Geschichte, die der Charlotte Singer und ihrer Tochter Alma. Charlotte hat ihre Tochter nach dem Buch benannt, das ihr vor Jahren ihr geliebter und zwischenzeitlich verstorbener Mann geschenkt hat. Damals lebten sie noch in Chile. Wie es der Zufall will, wird Charlotte über 70 Jahre nachdem die GESCHICHTE DER LIEBE geschrieben wurde, damit beauftragt das Buch zu übersetzen.

Voller Elan stürzt sie sich in die Arbeit und damit rückt Almas und Leos Liebe wieder in den Mittelpunkt, sie scheint geradezu eine eigene Entwicklung zu nehmen. Über noch einige Irrungen und Wirrung hinweg, führt das Manuskript schlussendlich die junge Alma, Charlottes Tochter, und den alten Leo zusammen. Und am Ende steht die Erkenntnis: nichts ist je verloren…

Seit 20. Juli im Kino

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Ohne Zweifel DIE SCHÖNEN TAGE VON ARANJUEZ sind schwere Kost. Doch wer sich darauf einlässt, dass ein Theaterstück auch auf der Filmleinwand an Eindruck gewinnt, der erlebt einen traumhaften Sommertag in einem wunderschönen Garten und ein Gespräch über das Leben, die Liebe und das Begehren.

Drei Männer. Ein Film

Wim Wenders, Peter Handke und Nick Cave haben sich für DIE SCHÖNEN TAGE VON ARANJUEZ zusammengetan. Wem diese Dreierkonstellation bekannt vor kommt, der liegt richtig. Vor dreißig Jahren haben sie sich schon einmal gemeinsam an einem Film versucht. Der Film damals: DER HIMMEL ÜBER BERLIN. Gemeinsam haben sie damit ein Stück Kinogeschichte geschrieben. Haben in Cannes sogar die Auszeichnung für Beste Regie” erhalten. Auch mit dem Europäischen Filmpreis wurde der Film geehrt. Nun versuchen sie es erneut.

DIE SCHÖNEN TAGE VON ARANJUEZ: ein Dialog

Anfänglich scheint ihnen mit DIE SCHÖNEN TAGE VON ARANJUEZ dieses Experiment erneut zu gelingen. Der Film beginnt mit einer herrlichen Szenerie. Zunächst in Paris. Dann der Schwenk hinüber aufs Land, hinein in diesen wunderbaren Garten, der im Folgenden die Szenerie des Films bestimmt. Ab sofort kein Ortswechsel mehr. Sondern nur noch die beiden Menschen, gespielt von Reda Kateb und Sophie Semin in den Hauptrollen. Zwei Menschen in diesem wunderbaren Garten, die sich einfach nur unterhalten. Im Hintergund trällert “Perfekt Day”, der hymnische Song von Lou Reed und irgendwann entdecken wir auch den Schriftsteller, der im Haus sitzend, die Geschichte zu Papier bringt, die sich vor seinem imaginären Auge direkt vor ihm in diesem wunderschönen Garten abspielt.

Die Idee zum Film

DIE SCHÖNEN TAGE VON ARANJUEZ ist die Verfilmung des gleichnamigen Theaterstückes von Peter Handke. 2012 wurde es am Wiener Burgtheater uraufgeführt und macht auf Wim Wenders einen derartigen Eindruck, dass er Thema unbedingt verfilmen musste. Doch was als Theaterstück funktioniert, muss dies als Film noch lange nicht. Und ebenso schwer haben es DIE SCHÖNEN TAGE VON ARANJUEZ auch auf der Kinoleinwand. Dieser Film erfordert einen Zuschauer, der wirklich bereit ist sich auf ein derartiges Experiment einzulassen.

Dieser knapp 90 Minuten dauernde, immerwährenden Dialog zweier Menschen fordert vom Zuschauer viel. Die Gesprächsthemen sind die Liebe, das Leben, die Kindheit, Erfahrungen, Erinnerungen und die Frage, wie Mann und Frau sich in ihrer Sicht und Wahrnehmung der Dinge unterscheiden. Der Zuschauer muss sich auf eine immergleiche Szenerie einlassen, eben diesem schönen Sommergarten. Mehr nicht. Wenn das funktioniert, dann, ja dann mag dieses Experiment gelingen. Eine sehr gute Voraussetzung ist es vielleicht, wenn Sie sowieso bereits Theaterfreund sind. Pure Cineasten kommen bei diesem Stoff womöglich ins Grübeln.

DVD und Blu-ray sind seit 6. Juli im Handel erhältlich.

Oder nehmen Sie doch an unserem Gewinnspiel zu Die schönen Tage von Aranjuez teil. Das Gewinnspiel endet am 06. September 2017 um 23.59 Uhr.

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Wer hätte das gedacht, denn eigentlich ist der rüstige Rentner Pierre ein richtiger Griesgram. Seit dem Tod seiner Frau lebt er nur noch so vor sich hin. Er hasst Veränderungen, seine Wohnung verlässt er kaum und schlimmer noch: sein Kühlschrank ist eine einzige Brutstätte verschiedenster Schimmelkulturen.

Das muss ein Ende haben, findet Tochter Sylvie und entwirft einen Plan, wie sie dem alten Griesgram mit Unterstützung der digitalen Welt wieder in bisschen mehr Lebensmut einhauchen kann. Sie beschließt: MONSIEUR PIERRE GEHT ONLINE. Und das möglichst sofort. Hilfe erhofft sie sich dabei von Alex, einem Freund ihrer Tochter. Alex ist ein erfolgloser Schriftsteller, doch er kennt sich mit dem Internet aus. Alex soll Pierre mit dem World Wide Web und seinen wunderbaren Möglichkeiten bekannt machen.

Muss es ausgerechnet ein Dating-Portal sein?

Und tatsächlich: MONSIEUR PIERRE GEHT ONLINE, obwohl sich das ungewöhnliche Lernduo anfangs noch recht schwertun. Vor allem dann, wenn Pierre gerade zur nächtlichen Schlafenszeit mal wieder ein unaufschiebbares Problem mit seinem Laptop und dem Internet plagt. Dann muss Alex so flexibel sein und direkt aus dem Bett heraus hilfreiche Tipps für Pierre parat haben. Denn sollten die nicht direkt fruchten und keine Lösung bringen, kann der alte Herr schon mal recht ungehalten werden. Und sowieso ist Pierre der Ansicht, dass diese Technik wirklich ein Teufelszeug ist, das ständig neue Sperenzchen mit ihm treibt. Ständig soll er das Fenster öffnen und dann tut sich doch nichts ?.

Pierres Technik-Aversion verschwindet allerdings spontan, als er im World Wide Web ausgerechnet über ein Datingportal stolpert. Das gefällt Monsieur Pierre und es dauert nicht lange, bis er auf die 31-jährige Flora trifft. Dank der Anonymität des Internets gibt Pierre den Verführer, macht sich um Jahre jünger und verabredet sich schließlich mit der schönen Flora. Jetzt hat er ein Problem. Für das Pierre aber bereits die Lösung parat hat. Nicht er, sondern Alex soll Flora in der realen Welt treffen.

Monsieur Pierre geht online – feinster französischer Kinogenuss

Alex zunächst noch zögerlich, erweicht schnell, als Pierre ihm Geld für seinen Einsatz bietet. Damit wären seine Finanznöte mit einem Mal vom Tisch. Alex akzeptiert das unmoralische Angebot und es kommt, wie es kommen muss. Alex verliebt sich in Flora, doch Flora denk Alex sei Pierre und Pierre findet Flora natürlich auch ganz toll. So hat das Flora-Eroberungsschiff plötzlich zwei Kapitäne und gerät dadurch natürlich mächtig ins Schwanken. Wie die Truppe aus diesem stürmischen Dilemma wieder herauskommt, gilt es noch zu klären. Bis dahin sind eine Reihe haarscharf geschliffener Dialoge sowie eine Vielzahl herzlicher Lacher garantiert.

Wieder einmal gelingt es Stéphane Robelin, mit MONSIEUR PIERRE GEHT ONLINE eine ganz wunderbarere Komödie voller Irrungen und Wirrungen auf die Leinwand zu bringen. In der Hauptrolle glänzt der unverbesserliche und dabei so hinreißend charmante Pierre Robelin und wir sind eingeladen, einfach mal wieder Lachlust pur zu genießen.

Der Film läuft seit dem 22. Juni 2017 in unseren Kinos!

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EIN KUSS VON BEATRICE erzählt die Geschichte zweier Frauen, die sich in einem entscheidenden Moment ihres Lebens wiederbegegnen. Gleichzeitig ist die Tragikomödie die erste Begegnung der beiden Charakterschauspielerinnen Catherine Frot und Catherine Deneuve auf der Leinwand. Und damit auch ein Highlight der französischen Filmgeschichte.

Regisseur und Filmemacher Martin Provost hat es tatsächlich geschafft, die beiden großen Damen des französischen Films vor ein und dieselbe Kamera zu bringen. Catherine Frot hatte er bereits 2013 für die Rolle der Simone de Beauvoir im Film Violette angefragt. Damals lehnt sie ab, was sie später, als sie den fertigen Film sah, allerdings offen bereute. Diese Ehrlichkeit hinterließ bei Provost bleibenden Eindruck. So fragte sie für EIN KUSS VON BEATRICE noch einmal. Dieses Mal sagte Frot sofort zu. Und Catherine Deneuve tat es ihr gleich.

Wie das Leben so spielt

EIN KUSS VON BETARICE erzählt die Geschichte von Claire (Catherine Frot), deren Leben von einem Tag auf den anderen aus den Fugen gerät. Sie verliert ihren Job als Hebamme, ihr einziger Sohn bricht ohne Vorwarnung sein Medizinstudium ab. Stattdessen eröffnet er Claire, dass sie Großmutter wird.  Zu allem Überfluss verliebt sie sich auch noch in ihren Nachbarn Paul (Olivier Gourmet) aus der Kleingartenkolonie. Ja, und dann ist da noch Béatrice (Catherine Deneuve), die völlig ohne Vorwarnung, einfach so in Claires Leben platzt. Sie kennt Béatrice noch aus Kindertagen. Damals war Claire die heimliche Freundin von Claires inzwischen verstorbenem Vater.

Béatrice und Claire – zwei Frauen, die unterschiedlicher nicht sein könnten – versuchen fortan irgendwie miteinander klar zu kommen. Claire die Zurückhaltende und Béatrice, die Extravagante, die geradezu sprüht vor Lebenslust, immer für eine Überraschung gut. Und doch trägt Béatrice eine traurige Wahrheit mit sich, die das Leben beider Frauen für immer verändern wird.

EIN KUSS VON BEATRICE – ein cineastisches Highlight

In der Tragikomödie EIN KUSS VON BEATRICE möchte Regisseur Provost der Hebamme Tribut zollen, die ihm eins bei seiner Geburt das Leben rettete. Provost erklärt “Ich habe mich daher entschlossen ihr auf meine Weise Tribut zu zollen, indem ich diesen Film ihr und all den namenlosen Frauen widme, die im Schatten bleiben und ihr Leben in den Dienst von anderen stellen, ohne dafür jemals Dank zu empfangen.”

Provosts Geschichte wird im Film allerdings nicht nacherzählt, vielmehr ist sie dessen Ursprungsgedanke. Umso schöner, dass es Provost gelungen ist, für diesen emotionalen Stoff, die beiden Grand Dames des französischen Films als Hauptdarstellerinnen zu gewinnen. Was er damit schuf, ist ein cineastisches Highlight der Extraklasse.

Kinostart: 8. Juni 2017

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NOMA – die Küche eines Koch-Poeten

Als kleiner Junge ist der in Mazedonien geborene René mit seiner Familie nach Dänemark gekommen. Wo er sich im Laufe der Jahre an die Spitze der kulinarischen Welt kochte. Seine Küche basiert auf dem so schlichten wie aber gleichzeitig auch genialen Konzept den Blick auf Saison und Region zu richten. So zaubert er in seiner nordischen Küche Gerichte aus regionalen Zutaten der Saison und erhält damit nicht nur internationalen Respekt, sondern mittlerweile auch tosende.

Im Film nimmt René Redzepi den Zuschauer mit in seine Küche, aber auch mit hinaus in die Welt. Getrieben von der Suche nach immer neuer Inspiration segelt der Koch vor der Nordküste Norwegens und findet dort Seeigel, die ihm geradezu poetisch neue Rezept-Ideen liefern. Aber auch fermentierte Stachelbeeren, Moose, Flechten und von Birken gezapftes Wasser finden Einzug in Renés außergewöhnliche Küche.

Drei Jahre an der Seite eines Spitzenkochs

Der Film NOMA ist ein Dokumentarfilm des Regisseurs Pierre Deschamps. Drei Jahre lang hat er René Redzepi begleitet. Angefangen im Jahr 2012. Damals erhielt Redzepis Restaurant NOMA gerade zum dritten Mal die Auszeichnung “Bestes Restaurant der Welt”. Im Dokumentarfilm ebenfalls zu Wort kommen die beruflichen Wegbegleiter Redzepis, wie zum Beispiel der Noma-Mitgründer Claus Meyer, Spitzenkoch Ferran Adrià, aber auch andere Mitglieder des Küchen-Teams kommen zu Wort. Wir lernen ebenfalls die regionalen Zulieferer kennen, welche die NOMA-Küche mit ihren wunderbaren Produkten bereichern.

Der Blick fällt aber auch auf den privaten René Redzepi. So führt Deschamps auch Gespräche mit Eltern und Familie des Kochs. Auf diese Weise gelingt es Deschamps das Portrait des Küchenchefs und Menschen René Redzepi zu zeichnen, der sich auf seine eigene, ganz ungewöhnliche Art ständig neu erfindet.

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Paula Modersohn-Becker gespielt von der wunderbaren Carla Juri ist nicht nur eine außergewöhnlich moderne Frau ihrer Zeit. Sie ist zudem auch sehr begabt und von einer geradezu fesselnden Intelligenz. Leider ein Umstand der einer jungen Frau zur Beginn des 20. Jahrhundert nur Probleme bereitet. Und doch geht die Künstlerin ihren Weg. Zunächst allerdings stößt sie als eine der ersten Vertreterinnen des frühen Expressionismus nahezu überall auf gesellschaftliche Widerstände. Auch ihre Werke sind vielen zu modern, vielleicht auch zu ausgefallen. So wird ihre Malerei, die sich von den anderen dieser Zeit deutliche abhebt, in Künstlerkreisen zumeist mit Kopfschütteln kommentiert. Sie sei kindisch, zeichne Hände wie Löffel und Gesichter, die ein Kind hätte besser malen könnte. So oder ähnlich wurde ihre Kunst abfällig kommentiert.

“Das muss das Schlimmste für eine Frau sein: intelligent sein und doch ganz Weib.” (Filmzitat)

Otto Modersohn – große Liebe, bester Freund und Verbündeter

In Otto Modersohn scheint die junge Frau dann doch noch einen Verbündeten gefunden zu haben. Die beiden verbindet nicht nur die gemeinsame Leidenschaft für die Kunst, sondern auch eine große Liebe. Die allerdings im Laufe der Zeit doch an ihre Grenzen stößt. Sie strebt nach mehr, während Otto in der Heimat gefangen bleibt. So verlässt Paula schließlich ihren Ehemann, um in Paris ihre künstlerische Bestimmung zu finden. Dort lebt ihre beste Freundin Clara Rilke-Westhoff, die mit dem Dichter Rainer Maria Rilke verheiratet ist. Begeistert vom Charm und Lebensweise der modernen, französischen Stadt versucht Modersohn-Becker ihren persönlichen und künstlerischen Weg zu gehen.

Paula Modersohn-Becker – die frühe Expressionistin

Dabei wird während des gesamten knapp zweistündigen Films das enge Band zwischen Paula, ihrer Heimat und ihrem geliebten Ehemann stets aufrecht. Erzählt wird die Geschichte eine großen Liebe voller Sinnlichkeit, Leidenschaft – auch über die räumliche Distanz hinweg. Gespickt wird das Ganze mit einer zarten Brise Humor, der sich auch und vor allem sehr ausdrucksvoll in Gestik und Mimik der Hauptdarstellerin wiederspiegelt.Ungeachtet aller Widerstände lebt die junge Künstlerin ihren Traum und wird so zu der Frau, die in der Kunstgeschichte als die frühe Expressionistin Paula Modersohn-Becker Einzug fand.

Sie müssen diesen Film unbedingt sehen? Prima, dann ist unser Gewinnspiel genau das Richtige für Sie: Wir verlosen 2 mal die DVD und 1 mal die Blu-Ray PAULA. Wer mitspielen mag, für den geht es hier lang!

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IN ZEITEN DES ABNEHMENDEN LICHTS spielt in Ostberlin im frühen Herbst des Jahres 1989. Das hochdekorierte SED-Mitglied Wilhelm Powileit (Bruno Ganz) feiert seinen 90. Geburtstag. Während zeitgleich die Republik DDR ihrem nahen Ende entgegenblickt, scheint auch die Familie auf ihre ganz eigene Art und Weise zu verfallen. 

Die politische Veränderung ist nicht mehr aufzuhalten. Das scheint allen klar. Und doch halten Wilhelm und seine Frau Charlotte geradezu krampfhaft an alten Überzeugungen fest. Wilhelm, der einst aus dem Exil in Mexiko zurückgekehrt ist und die DDR tatkräftig mit aufgebaut hat, und Charlotte, seine ihm innig verbundene Ehefrau bereiten sich auf Wilhelms Ehrentag vor.

Republiktreue bis zum Schluss

Dem parteikonformen Spektakel wohnen zudem zahlreiche Genossen, Pioniere und Nachbarn bei. Natürlich darf auch aus der republiktreuen Familie niemand fehlen. So werden Sohn Kurt, der Ostberliner Historiker, dessen russische Frau Irina sowie Enkels Sascha mitsamt Ehefrau Melitta erwartet.

Wie es Familien feste gerne mit sich bringen, wird auch IN ZEITEN DES ABNEHMENDEN LICHTS so einiges aus dem Familienleben zutage treten, was wahrscheinlich besser im Verborgenen geblieben wäre. Allem voran schlägt die Nachricht, dass Sascha, Wilhelms Enkel, nicht zu Opas großem Tag erscheinen wird, ein wie eine Bombe. Sascha ist kurz vor dem großen Fest in den Westen abgehauen. Eine kaum zu ertragene Schmach für Eltern und Großeltern, noch dazu hat keiner bis heute davon gewusst.

Gefangen in Zeiten des abnehmenden Lichts

Doch es kommt noch schlimmer. Irina, die seit langem von Ihrem Ehemann betrogen wird, lässt ihrer Verbitterung freien Lauf und Kurts Schwiegermutter trinkt, wie so oft, mehr als nur ein paar Wodka zu viel. Haushaltshilfe Lisbeth und Charlottes Freundin Stine versuchen währenddessen die Scherben zusammenzukehren. Doch das Schlamassel nimmt unaufhaltsam seinen Lauf. Geradezu analog zu den politischen Umbrüchen jener Zeit, scheint auch die Veränderung innerhalb der Familie Powileit unaufhaltsam zu sein. Sie sind schlichtweg angebrochen: Die Zeiten des abnehmenden Lichts!

Der gefeierte Roman von Eugen Ruges liefert die Vorlage

Der Film IN ZEITEN DES ABNEHMENDEN LICHTS basiert auf dem gleichnamigen, 2011 mit dem Deutschen Buchpreis ausgezeichneten Roman aus der Feder des Autors Eugen Ruges. Das Drehbuch zum Film schrieb Wolfgang Kohlhaase und mischt dabei auf geniale Weise sensible Komik und herzergreifende Tragik zu einem wunderbaren Film. Die Leinwandumsetzung übernimmt schließlich Regisseur Matti Geschonneck.

Kinostart: 1. Juni 2017

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Wer erinnert sich noch an The Stoges? Mitten in den 60ern schlug die Band ein wie eine musikalische Bombe. Nie zuvor hat sich jemand an derartige Klänge gewagt. The Stooges mischen Rock, Jazz, Blues und R&B zu etwas völlig Neuem und legen damit den Grundstein für die beiden musikalischen Stile, die uns noch bis heute als Punk und Alternative Rock geläufig sind.

Iggy Pop die Punk-Ikone schlechthin

Im Zentrum von GIMME DANGER steht Iggy Pop, Godfather of Punk und Frontman von The Stooges. In zahlreiche Interviews wirft Iggy einen Blick zurück. Die Ikone nimmt uns mit auf einen Trip in seine bewegte Vergangenheit. Erzählt wird die Geschichte einer Band, die schlichtweg anders war. Nicht nur musikalisch. Auch mit ihren Texten richteten sich Iggy Pop und The Stooges immer wieder gegen das Establishment. Mit dieser Anti-Haltung bewegten sie damals eine ganze Kultur. Denn nicht nur die Musik, vielmehr auch ihre Einstellung machte diese legendäre Band weltberühmt.

GIMME DANGER eine Liebeserklärung an die Väter des Punk

Regisseur und Filmemacher Jim Jarmusch ist wohl einer der größten Fans von Iggy Pop und The Stooges. Deshalb kam er nicht umhin, GIMME DANGER zu drehen. Jarmusch ist fasziniert von den dem urgewaltigen Hämmern und den psychedelischen Klängen der Stooges. Auch Frontman Iggy Pop beeindruckt ihn bis heute. In ihm sieht er den zähnefletschenden Leoparden, der wie kaum ein anderer die Geschichte des Rock ‘n’ Roll prägte.

So formte der Filmemacher mit GIMME DANGER einen Querschnitt und Ausschnitt zugleich. Der Film zeigt Einflüsse und Wirkung einer der größten Rock-n-Roll-Bands aller Zeiten. So zumindest sieht Jarmusch The Stooges. Im Ergebnis erlaubt er uns damit einen tiefen Einblick in den Werdegang einer Punk-Band, die den Zeitgeist prägte. Zugleich ermöglichen bislang unveröffentlichte Filmaufnahmen einen wild-chaotischen, bisweilen emotionalen und dabei auf eine ungehobelte Art und Weise auch einen durchaus niveauvollen Blick hinter die Kulissen einer außergewöhnlichen Band. Bleibt uns nur noch zu sagen: Happy Birthday zum Siebzigsten Iggy Pop!

Kinostart: 27. April 2017

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ZU GUTER LETZT – oder Planung ist alles

Immer das letzte Wort haben. Das scheint im Film ZU GUTER LETZT zum Lebensinhalt der Hauptdarstellerin Harriet Lauler geworden zu sein. Die erfolgreiche Geschäftsfrau hat in ihrem ganzen Leben nichts dem Schicksal überlassen. Zufälle gibt es für sie nicht. Planung ist alles! Logisch, dass sie da auch ihren eigenen Nachruf fein säuberlich vorplanen möchte. Sicher ist sicher. Allerdings entpuppt sich das Vorhaben als schwieriger als gedacht. Und das, obwohl Harriet sich fachkundige Hilfe ins Haus holt.

Die Journalistin Anne, Spezialistin für Nachrufe, soll ihr tatkräftig unter die Arme greifen. Und Anne (gespielt von Amanda Seyfried) geht diese ungewöhnlich Aufgabe auch direkt an. Doch wo sie auch hinkommt, egal ob es Harriets Tochter Elisabeth ist oder Exmann Edward, niemand scheint ein gutes Wort für die alte Dame übrig zu haben. Auch bei Harriets Arzt oder bei der Friseurin hat Anne kein Glück. Es zeigt sich als extrem schwierig, jemanden zu finden, der Harriet mag. Was also tun? Wie schreibt man eine nette Biografie über eine Frau, von der es nur Abscheulichkeiten zu berichten gibt?

Mein Leben muss sich ändern – packen wir’s an!

In Ermangelung eines besseren Lebens, gehen Harriet und Anne in ZU GUTER LETZT einen Pakt ein. Die beiden Ladys beschließen Harriets Biografie auf dem letzten Abschnitt komplett umzuschreiben. Dafür muss sich die alte Dame aktiv mit ihrer Vergangenheit auseinandersetzen. Da wären zum Beispiel Exmann Edward oder Tochter Elisabeth, mit der sie seit Jahren kein Wort mehr gewechselt hat. Außerdem sollte sich Harriet auf irgendeine Art engagieren.

Gesagt getan. Harriet geht auf Tochter und Exmann zu und engagiert sich in einem Gemeindezentrum für schwer erziehbare Kinder. Dort trifft sie auf die 9-Jährige Brenda. Beide haben sofort einen Draht zueinander. Wie ihr all dieser Einsatz zu Gesicht steht und ob sie sich mit Edward und Elisabeth wirklich aussöhnen wird, das wird an dieser Stelle noch nicht verraten. Aber ein ist sicher, Harriet, Anne und Brenda wachsen im Laufe der Zeit zusammen und wer weiß, vielleicht sogar zu einer neuen Form von Familie.

Wer hat nun das letzte Wort?

Ohne Zweifel lebt ZU GUTER LETZT von den beiden starken Hauptcharakteren. Auf vergnügliche Weise kommt dadurch ein durchaus tiefgründiges Porträt zweier Frauen auf die Kinoleinwand. Erörtert werden dabei viele Fragen, die unser aller Leben bestimmen: Wie egoistisch darf der Mensch oder soll er vielleicht sogar sein? Darf ich meine Träume ohne Rücksicht auf Verluste durchsetzen? Wie wichtig sind Familie, Freunde und Bekannte für ein glückliches Leben und wie weit dürfen diese Beziehungen das eigenen Leben bestimmen? Und schließlich die alles übergreifende Frage: Was macht das Leben überhaupt liebens- und lebenswert. Muss ich wirklich immer das letzte Wort haben oder spielt es am Ende vielleicht überhaupt keine Rolle mehr…

Kinostart: 13. April 2017

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Einladung von Gott

Schlimmer als in DIE HÜTTE – EIN WOCHENENDE MIT GOTT kann es eigentlich nicht kommen. Mackenzie Allen Philips´ Tochter Missy ist vor vier Jahren während eines Campingurlaubs verschwunden. Sie wurde bislang nicht wiedergefunden und alles deutet darauf hin, dass sie ermordet wurde. Wie kommt man mit so einem Schicksalsschlag zurecht? Mack schafft es kaum. Zerfressen von Schuldgefühlen kochen in ihm Wut und Verzweiflung. Wer kann einem Kind so etwas Schreckliches antun? Warum hat er nicht besser auf seine Kleine aufgepasst?

Vier Jahre später bekommt Mack plötzlich Post. Der anonyme Absender läd ihn ein auf ein Wochenende in einer Hütte. Genau der Hütte, an der sich damals vor vier Jahren die Spur von Missy verlor. Was soll das? Ist das ein schlechter Schwerz des Mörders, verhöhnt er ihn gar oder ist das endlich Macks Chance seine Trauer endlich zu bewältigen, mit dem furchtbaren Schicksalsschlag abzuschließen und wieder neu anzufangen?

Vergib und du wirst frei

Also macht sich Mack auf die Reise in die abgelegene Waldhütte und macht dort Bekanntschaft mit Jesus, dem Heiligen Geist und natürlich Gott, genannt Papa. Der wird ungewöhnlicher Weise von Octivia Spencer, einer Frau, dargestellt. Und sie ist es auch, die Mack in zahlreichen Dialogen hilft sich von seinen Schuldgefühlen, der Wut und Verzweiflung zu befreien. Dabei wird klar: Der Schlüssel zur Trauerbewältigung und schließlich zum Neuanfang ist die Vergebung.

Dabei stellt Mack in DIE HÜTTE – EIN WOCHENENDE MIT GOTT unaufhörlich Fragen Gott an Gott. Sie scheinen im überhaupt nicht auszugehen. Fragen, die ein jeder von uns ganz bestimmt auch stellen würde, hätte er nur einmal die Chance auf ein Zwiegespräch mit Gott. Wie kann es damit zugehen, dass Gott uns Menschen liebt und trotzdem soll schrecklich Dinge geschehen lässt. Ein Thema, das uns auch gerade in der heutigen Zeit alle beschäftigt. Dabei muss man, um diesen Film zu mögen, nicht per se gläubig sein. Er betrifft und berührt schlichtweg jeden, der im Leben schon einmal Tod und Verlust hat erleben müssen.

DIE HÜTTE – EIN WOCHENENDE MIT GOTT: Ein Bestseller wird verfilmt

Die berührende Geschichte um einen trauernden Vater basiert auf dem gleichnamigen Bestellter-Roman des kanadischen Autors William Paul Young. Er wollt eigentlich nur eine schöne Weihnachtsgeschichte für seine Kinder schreiben. Doch seine Freunde überredeten ihn, das Buch zu veröffentlichen. Knapp ein Jahr später fand sich DIE HÜTTE – EIN WOCHENENDE MIT GOTT auf Platz 1 der Bestsellerliste in der New York Times – und das für sage und schreibe mehr als 70 Wochen.

Der Film läuft bereits seit 6. April in deutschen Kinos und die Meinungen darüber sind gespalten. Die einen nennen es religiösen Kitsch, die anderen einfühlsam und Mut machend. Ob die Verfilmung dieser zugegebenermaßen sehr unkonventionellen Geschichte auch Sie begeistern wird? Entscheiden Sie selbst.

Kinostart: 6. April 2017

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Ihre Enkelkinder lieben das kleine Monstermädchen Molly Monster. Der 52-teilige Animationsserie ist bekannt aus dem Sandmännchen und wird immer mal wieder auch im KiKa oder auf rbb ausgestrahlt. Und weil Sie Ihre Enkelkinder lieben, ist die neue Molly Monster DVD wie für Sie gemacht.

Doch wer ist diese Molly Monster überhaupt?

Das kleine gelb-grüne Monster ist bereits den Kleinsten sehr beliebt. Zusammen mit ihren Eltern Etna und Popo lebt sie im verrückten Monsterland. Immer an ihrer Seite – ihr bester Freund Edison. Mit ihm zusammen erlebt sie die verrücktesten Abenteuer und eins davon hat mit MOLLY MONSTER – DER FILM im vergangenen Jahr auch den Weg auf die Kinoleinwand gefunden. Wer das verpasst hat oder wer mit einen Enkeln gerne mal einen vergnüglichen, liebevoll erzählten Film schauen möchte, für den ist MOLLY MONSTER – DER FILM ab sofort auch auf DVD oder Blu-ray erhältlich

Molly Monster bekommt Familienzuwachs

Im neuen Film ist, wie bei Molly Monster an der Tagesordnung, mal wieder viel los. Familienzuwachs steht ins Haus. Und wie bei Monstern so üblich, schlüpfen alle kleinen Monster auf der Eierinsel. Dorthin bringen auch Etna und Popo ihr frisch gelegtes Ei. Dumm nur, dass Molly nicht mit darf auf die Insel. Kinder sind dort nicht erlaubt. Dabei wär sie doch so gerne dabei, wenn ihr kleines Geschwisterchen das erste Mal das Licht der Welt erblickt. Aber nein, die Eltern ziehen alleine los. Edison und Molly müssen zuhause bei Onkel …. und .. bleiben. Doch Molly wäre nicht Molly und Edison nicht Edison, natürlich finden die zwei eine Möglichkeit, um den Eltern auf die Eierinsel hinterher zu reisen.

Über die wüsten wilden Hügel müsst ihr gehen

Gesagt getan, die Koffer sind schnell gepackt und das Abenteuer Eierinsel kann beginnen. Was Molly Monster und ihr Freund Edison allerdings nicht wissen, bevor sie auf die Osterinsel kommen, müssen sie die wüsten wilden Hügel überqueren. Und dort gibt es allerhand monstermäßig Spannendes zu erleben. So treffen sie auf lachende Kitzelmonster und kommen vorbei an irgendwelchen seltsamen Gebirgskratern, aus denen Rauch und Pupsgeräusche emporsteigen. Sie treffen auf die Quängelbrüder, die sich andauernd streiten, und schließlich auch auf riesige Monster, die Molly und Edison hilfreich zur Seite stehen, bevor die beiden schließlich sicher auf der Eierinsel ankommen.

Ein herrliches Kinospaß für Jung und Alt

Molly Monster – der Film ist ein wirklich gelungenes Gesamtpacket, das nicht nur kleine Kinofans begeistert. Der liebevoll erzählt und eingängig gezeichnete Film bringt auch uns Erwachsene zum Schmunzeln, aber auch zum Nachdenken. So verwundert es kaum, dass der Film das FBW Prädikat “Besonders wertvoll” erhalten hat. Wir haben ihn bereits gesehen und können Ihnen nur empfehlen, schauen Sie sich diesen Zeichentrickfilm zusammen mit Ihren Enkeln an. Das wird ein wunderbarer Film-Nachmittag, der Jung und Alt monstermäßig glücklich machen wird.

Ab 26. März auf DVD und Blu-ray erhältlich.

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DER HUNDERTEINJÄHRIGE und die leckerste Volkssoda der Welt

Es ist gerade mal ein Jahr her, seit Allan Karlssons (Robert Gustafsson) letztem Abenteuer. Der rüstige Rentner lebt inzwischen ein süßes Leben auf Bali. So beginnt DER HUNDERTEINJÄHRIGE, DER DIE RECHNUNG NICHT BEZAHLTE UND VERSCHWAND mit einem Blick auf Traumstrände und Geld in Hülle und Fülle. Doch der Geldsegen ist nicht von Dauer. Allans ausschweifender Lebensstil leert die Kasse schneller als gedacht.

An seinem 101 Geburtstag trinkt er seine letzte Flasche Volkssoda, die übriggeblieben ist aus alten Zeiten. Damals im Kalten Krieg, als er hie und da noch als Gelegenheits-Spion aktiv war. Mit einem mal übermannt ihn die Erinnerung. Kurzerhand beschließen Allan und seine Kumpels das Rezept des beliebten Sprudelwassers zu suchen. Koste es, was es wolle. Geld haben sie ja eh keines mehr. Also verlassen sie kurzerhand ihr Luxushotel. Eingehüllt in Bademäntel und ohne die Rechnung zu bezahlen machen sich auf die Suche nach diesem wunderbaren Volkssoda-Rezept längst vergangener Zeiten

Von gewinnbringenden Geschäftsideen, YouTube-Clips und der CIA

DER HUNDERTEINJÄHRIGE, DER DIE RECHNUNG NICHT BEZAHLTE UND seine Freunde Julius, Pike mit den lockeren Fäusten und das Kapuziner-Äffchen Erlander sind blank. Und wo kein Geld ist, kann man auch nicht verreisen. Deshalb muss der lustige Trupp erst einmal an Geld kommen. So kommt es, dass während Julius noch an einer gewinnbringenden Geschäftsidee feilt, ein YouTube-Clip von ihm und dem Äffchen im World Wide Web für Aufregung sorgt.

Auch die Tochter eines russischen Spions entdeckt den Clip. Das ist sehr ungeschickt, denn sie hat noch eine Rechnung mit Allan offene. Doch nicht nur sie, auch der Sprössling eines Britischen Verbrechers, die CIA sowie ein dubioser schwedischer Psychiater sind ihm auf der Spur. So kommt es, wie es kommen muss. Eine herrliche Verfolgungsjagd beginnt und wo immer der hunderteinjährige Allan und seine Freunde auftauchen, hinterlassen sie Chaos und Verwüstung.

Doch Allan bleibt stets gelassen und entspannt. Selbst wenn wieder einmal die Fetzen fliegen oder irgendetwas in die Luft geht. Dann, aber nur dann, kann man in seinem Gesicht vielleicht so etwas wie ein zartes, verschmitztes Lächeln entdecken.

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Obwohl es ihm bei seinen Adoptiveltern an nichts fehlt, er wird geliebt, fühlt sich geborgen, hat ein liebevolles Zuhause, eine wunderbare Freundin und ist beruflich auf Erfolgskurs. Dennoch lässt Saroo die Frage um seine Herkunft nicht los.

LION – eine Geschichte, die das Leben schrieb

Regisseur Garth Davis erzählt in LION DER LANGE WEG NACH HAUSE die wahre Geschichte des fünfjährigen Saroo Brierley der auf dem Bahnhof einer indischen Stadt seinen Bruder aus den Augen verliert. Eindringlich bringt der Regisseur mit seinem Film zum Ausdruck, wie wichtig das Wissen um Herkunft und Wurzeln für die Identität eines jeden Menschen ist. In den Hauptrollen glänzen Dev Patel als erwachsener Saroo und Sunny Pawar als sein fünfjähriges Pendant, Rooney Mara in der Rolle als Saroos Freundin Lucy sowie Nicole Kidman als Saroos Mutter Sue.

Saroo sollte eigentlich glücklich sein. Doch die Frage nach seiner Herkunft treibt ihn um. Als Fünfjähriger wurde er von seinem Bruder in einer Kleinstadt kurz auf dem Bahnhof zurückgelassen. Der Bruder suchte nach Münzen und Essensresten für die arme Familie. Irgendwann schläft Saroo ein und als er erwacht findet er sich hunderte Kilometer von seiner Heimat entfernt im indischen Kalkutta wieder. Völlig allein und der Sprache nicht mächtig irrt er wochenlang durch die große Stadt bis er endlich in einem Waisenhaus landet. Dort wird er von Sue und John Brierley adoptiert und lebt fortan mit dieser, seiner neuen Familie in Australien.

Eine atemberaubende Lebensgeschichte

Sue und John schenken Saroo in LION DER LANGE WEG NACH HAUSE ein liebevolles zuhause. Er wächst zu einem stattlichen jungen Mann heran. Ist beruflich erfolgreich und in einer glücklichen Beziehung mit Freundin Lucy. Doch die Frage nach seinen Wurzeln lässt ihn einfach nicht zur Ruhe kommen. Schlimmer noch. Je mehr er sich zu erinnern versucht, umso stärker verfällt er. Bruchstückhaft kommt die Erinnerung zurück und der junge Mann kann nicht anders: Er muss sich auf die Suche nach seiner leiblichen Familie machen. Nächtelang sucht er mit Google Earth Hinweise auf sein Heimatdorf. Bis das schier Unglaubliche passiert: Saro erkennt das Dorf seiner Heimat und macht sich auf die ungewisse Reise dorthin. Wird er seine Familie finden und wird sie ihm dann das verloren geglaubte Gefühl von Heimat und Identität zurückgeben können?

Kinostart: 23. Februar 2017

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Seit dem Tod seiner Mutter lebt der zehnjährige Michi im Kinderheim. Durch Zufall fällt ihm ein Brief in die Hände, der ihn direkt zu seinem Vater führt. Alles könnte so schön sein, denn Michi hofft, bei seinem Vater leben zu können und nicht mehr im Heim. Er malt sich seine Zukunft in den buntesten Farben aus, bis er seinem Vater Tom tatsächlich gegenübersteht und all seine Träume mit einem Mal hart auf dem Boden der Tatsachen aufschlagen.

Vater und Sohn – auf Augenhöhe

Mit allem hätte Michi gerechnet, aber nicht damit, dass er seinem Vater tatsächlich AUF AUGENHÖHE begegnen kann. Tom ist kleinwüchsig und ungefähr so große wie sein zehnjähriger Sohn. Für Michi ist das ein riesen Schock: Sein Vater ist ein Zwerg. Michi wünscht sich, dass er seinen Vater niemals gefunden hätte. Tom hingegen geht mit der Situation sehr souverän um. Und gerade als es so aussieht, dass die beiden ihr gemeinsames Leben doch auf die Reihe bekommen, ist mit einem Mal wieder alles ganz anders.

Ein Plädoyer für Toleranz und Menschlichkeit

Im Unterschied zu den meisten deutschen Kinofilmen basiert AUF AUGENHÖHE nicht auf einem erfolgreichen Buch. Die Geschichte wurde speziell fürs Kino konzipiert und ist dabei so gut gelungen, dass er als bester Kinderfilm beim Preis der deutschen Filmkritik gewinnt. AUF AUGENHÖHE will nicht nur unterhalten, sondern bringt vielmehr auch ein Plädoyer für Toleranz und Offenheit auf die Kinoleinwand. Schonungslos wird dargestellt, wie gemein und rücksichtslos die Gesellschaft vielerorts mit Menschen umgeht, die anders sind. Im Zentrum steht dabei die aber die eine, wichtigen Botschaft: Nur Toleranz und Offenheit, bringt die Menschen einander näher. Dabei verdeutlicht der Film; dass Familie und echte Freundschaft im Leben einfach alles bedeuten: Allein sind wir groß, gemeinsam sind wir die Größten!

Ab 24. Februar auf DVD und Blu-ray erhältlich.

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HIDDEN FIGURES – UNERKANNTE HELDINNEN und ihre unglaubliche Mission

Der Film HIDDEN FIGURES – UNERKANNTE HELDINNEN erzählt die wahre und deshalb auch so herausragende Geschichte von Katherine Johnson (Taraji P. Henson), Dorothy Vaughan (Octavia Spencer) und Mary Jackson (Janelle Monáe). Drei afroamerikanische Frauen und brillante Mathematikerinnen auf außergewöhnlicher Mission – und unser heutiger Filmtipp.

Zu Beginn der sechziger Jahre arbeiten die gewieften Ladys bei der NASA als Teil des Teams, das dem US- Astronauten John Glenn erstmals die Erdumrundung ermöglicht. Damit sind sie sozusagen an vorderster Front an einer der wichtigsten Errungenschaften der jüngeren Zeitgeschichte beteiligt.

Drei echte Pionierinnen auf Oscar©-Mission

Afroamerikanische Frauen bei der NASA: in den 60ern eine schier unglaubliche Tatsache, die damals die Welt  aufrüttelte. Schade nur, dass es so lange dauerte, bis HIDDEN FIGURES – UNERKANNTE HELDINNEN endlich verfilmt wurde. So erreichte die Geschichte um das visionäre Damen-Trio, das Geschlechter- und Rassegrenzen überschritt, erst jetzt den Bekanntheitsgrad, den sie schon längst hätte innehaben müssen.

Umso schöner, dass HIDDEN FIGURES – UNERKANNTE postwendend nach Kinostart mit dem Screen Actors Guild-Award für das Beste Schauspielensemble ausgezeichnet wurde. Und um die Erfolgsgeschichte fortzusetzen, erhielten Film und Crew zudem drei Oscar©-Nominierungen. In den Kategorien Bester Film, Beste Nebendarstellerin (Octavia Spencer) und Bestes adaptiertes Drehbuch wird HIDDEN FIGURES am 24. Februar, bei den offiziellen Oscar©-Feierlichkeiten, gegen seine Konkurrenz antreten.

#NoLimitsForWomen – starke Frauen braucht das Land

Die Frage um Gleichstellung und Vielfalt im Berufsleben ist auch heute noch ein starkes Thema ist. Deshalb haben Twentieth Century Fox of Germany und das Jobportal Monster zum Filmstart das Programm #NoLimitsForWomen ins Leben gerufen. In Zusammenarbeit mit Postbank, Lufthansa, ING-DiBa, SunExpress, EnBW, Ikano Bank und RTL soll dieses Projekt ein Zeichen für Vielfalt und Gleichstellung im Berufsleben setzen.

Twentieth Century Fox of Germany Geschäftsführer Vincent de La Tour kommentiert dazu: „Der Film HIDDEN FIGURES erzählt die Geschichte von drei herausragenden Frauen, die sich durch ihren unbedingten Willen und ihre Durchsetzungskraft auszeichnen. In schwierigen und herausfordernden Situationen zeigen sie Intelligenz, Ausdauer und Ehrgeiz, beweisen, dass Intellekt und Beharrlichkeit Träume wahr werden lassen. Sie kämpfen für ihre Ziele, ohne Waffen und ohne Arglist – sie symbolisieren Werte und Überzeugungen, die heute wichtiger denn je sind. Twentieth Century Fox möchte passend zu dem Film ein Statement setzen und Frauen Karriere-Chancen eröffnen. Es ist mir persönlich sehr wichtig, dass wir aktiv an der Gleichberechtigung der Frauen arbeiten.“

KINOSTART: 2. Februar 2017

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Der Abräumer bei den diesjährigen Golden Globe Awards LA LA LAND ist nicht nur ein wunderbarer Film des Regie-Wunderknaben Damien Chazelle. Es ist zugleich auch eine Hommage an die Kraft der Träume.

Lassen sie sich von den beiden Hauptdarsteller Emma Stone und Ryan Gosling in die Stadt der Engel entführen. Und Werden Sie Teil einer unschlagbar schönen Liebesgeschichte, einer ganz besonderen Mischung aus Film und Musical – einfach magisch.

LA LA LAND – Kinoliebling der Saison

Sage und schreibe sieben Golden Globes räumte LA LA LAND bei der diesjährigen Verleihung des Awards in Los Angeles ab. In sieben Kategorien nominiert, in sieben Kategorien gewonnen. Damit stellt das unter Federführung von Regisseur Damien Chazelle entstandene cineastische Meisterstück Filme wie “Einer flog übers Kuckucksnest” oder “Midnightexpress” einfach mal so in den Schatten. Diese beiden Filme hielten bislang die Bestmarke mit jeweils sechs der begehrten Trophäen.

Auf der Suche nach dem großen Glück

Neben dem gigantischen Erfolg bei den Golden Globe Awards vereint LA LA LAND zudem das wunderbarste Kinopaar der heutigen Zeit wieder auf der Leinwand. In CRAZY, STUPID, LOVE haben Ryan Gosling und Emma Stone die Zuschauer schon einmal in den Bann gezogen. Und jetzt geschieht das Wunderbare noch einmal. Ihre Geschichte ist die zweier einsamer Seelen und zugleich zweier unverbesserlichen Träumer, die das Leben unverhofft zueinander führt.

Mia, die Schauspielerin aus Leidenschaft, und Sebastian, der talentierte Jazzmusiker, haben den großen Durchbruch noch nicht geschafft. Sie halten sich mit Nebenjobs mehr schlecht als recht über Wasser. Bis sich ihre Wege zufällig kreuzen und sie sich ineinander verlieben. Beflügelt von ihrer Liebe beginnen sie, gemeinsam Pläne zu schmieden und auf einmal scheint alles möglich. Doch schon bald müssen die beiden erkennen, dass träumen allein nicht genügt. Wer seine Ziele erreichen möchte, der muss Opfer bringen. Schon ziehen dunkle Schatten auf und trüben das noch so junge Glück – wird ihre Liebe dieser Belastung bestehen?

LA LA LAND und die Neuerfindung des Musicals

Mit LA LA LAND gelingt dem 32-jährigen, jungen Regie-Talent Damien Chazelle ein echtes Meisterstück. Er schafft es, das Genre Musical neu zu erfinden. Moderne Inhalte wunderbar altmodisch inszeniert, mit Sequenzen, die einem unweigerlich Grace Kelly in Gedächtnis rufen. So transportiert er die Liebesgeschichte von Mia und Sebastian auf die Leinwand. Während der Zuschauer vom Gesang, dem Tanz und dem sonstigen träumerischen Bling-Bling dieses Films geradezu in den Bann gezogen wird. Großes Gefühlskino, das Freunde des Genres Filmmusical vor Begeisterung taumeln lässt. Dabei ist LA LA LAND vor allem eins: ein Film für Träumer!

KINOSTART: 12. Januar 2017

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Das unbändige Streben nach Freiheit und Glück – geben Sie es zu: Ein bisschen davon schlummert doch in jedem von uns. In CAPTAIN FANTASTIC hat sich Ben diesen Traum erfüllt. Zusammen mit Frau und sechs Kindern lebt er in der Wildnis Amerikas. Ein wunderbares Leben, solange bis der Tod seiner Frau alles verändert.

Die Presse ist sich schon mal einig und findet für CAPTAIN FANTASTIC – EINMAL WILDNIS UND ZURÜCK mit dem Oscar-prämierten Schauspieler Viggo Mortensen in der Hauptrolle, ausschließlich lobende Worte. Der Stern schreibt: „Wenn Aragorn zum Alleinerzieher wird. (…) Rührend. Tragisch. Lustig.“ Der NDR meint: „CAPTAIN FANTASTIC ist einer dieser außergewöhnlichen Filme, für die es sich auf jeden Fall lohnt, ins Kino zu gehen!“. Und der NDR schwärmt schließlich: „Wunderschön gefilmtes Roadmovie, das auf kluge Weise unterhält.“ Da wundert es kaum, dass Viggo Mortensen in seiner Rolle als allein erziehender Vater Ben für die 74. Golden Globe® Awards, die am 8. Januar 2017 in Los Angeles verliehen werden, in der Kategorie “Bester Hauptdarsteller” nominiert wurde.

CAPTAIN FANTASTIC – die perfekte Aussteigeridylle

Was ein Leben. Ben, seine Frau Leslie und ihre Kinder verbringen die Tage irgendwo in den Bergen der nordamerikanischen Wildnis. Zehn Jahre leben sie bereits in unzugänglichem Gelände fernab der Zivilisation, ernähren sich als Selbstversorger nur von der Jagd und dem Gemüseanbau. Doch sie scheinen glücklich dabei. Bis zu jenem Tag, der ihr Leben völlig verändert, als Bens große Liebe und Mutter seiner sechs Kinder stirbt. Leslies Beerdigung soll bei ihren Eltern stattfinden. Deshalb sind Ben und seine Sprösslinge dazu gezwungen, ihre selbst geschaffene Aussteigeridylle zu verlassen und es nach zehn Jahren in der ländlichen Abgeschiedenheit wieder mit der realen Welt aufzunehmen.

Ihre Reise führt die Familie in einem klapprigen, alten Bus quer durch die USA und wird zur größten Herausforderung ihres gemeinsamen Lebens. Eine Reise voller seltsamer, komischer, aber auch berührender Momente. Freiheitsideale werden in Frage gestellt und auch Bens bisherige Vorstellung von Erziehung gerät ordentlich ins Wanken.

Eine fantastische Geschichte über Werte, persönliche Ideale und die Familie

Lebensentwürfe können so unterschiedlich sein. Der von Ben ist wahrhaft außergewöhnlich. Regisseur Matt Ross wirft in CAPTAIN FANTASTIC – EINMAL WILDNIS UND ZURÜCK einen tragikomischen Blick auf eben dieses Aussteigerdasein. Er präsentiert dieses Leben weit weg von der modernen Konsumkultur in all seinen Facetten. Da wundert es kaum, dass dieser Lebensentwurf beim der Rückkehr in die Zivilisation geradezu aus den Fugen geraten muss.

Für Ross geht es in CAPTAIN FANTASTIC – EINMAL WILDNIS UND ZURÜCK aber auch um die Erforschung der Entscheidungen, die Eltern vermeintlich im Sinne ihrer Kinder treffen. „Ich bin fasziniert von all den Problemen, die bei der Kindererziehung auftauchen“, stellt Ross fest. „Ben hat die normale Welt mit all ihren Ambitionen aufgegeben, um sich ausschließlich darauf zu konzentrieren, der beste Vater für seine Kinder zu sein. Es stellt sich die Frage: Ist er wirklich der beste oder eher der schlimmste? Ist er ein wahnsinnig gutes Familienoberhaupt oder schlicht des Wahnsinns?“ Das verspricht doch ein spannender Filmabend zu werden. Finden Sie nicht?

Seit 27. Dezember 2016 als DVD, Blu-ray und Video on Demand erhältlich

FSK: Ab 12 Jahren freigegeben

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Das internationale Presse-Echo auf Almodóvars JULIETA fiel durchweg positiv aus. „Mehr Frauen geht kaum, mehr Almodóvar auch nicht.“ Schreibt beispielsweise Sueddeutsche.de. Die Neue Züricher Zeitung ist der Meinung: „JULIETA ist so etwas wie die Quintessenz von Almodóvars Schaffen, wo motivisch alles zusammenfällt, was seine großen Filme geprägt hat.“ El País geht sogar noch weiter und bezeichnet JULIETA als “das beste Werk in Almodóvars Karriere.“

Wenn Trauer die Menschen trennt

JULIETA, ihr Mann, der attraktive Fischer Xoan, und Tochter Antía sind eine glückliche, kleine Familie. Sie führen in Galizien ein beschauliches Leben am Meer. Bis der unerwartete Tot des Vaters, die beiden Frauen in einen tiefen Strudel der Trauer reißt. Xoan ist auf offenem Meer in einen Sturm geraten und ertrunken. Kurz zuvor hatten er und JULIETA einen Streit. Deshalb gibt sie sich auch die Schuld am Tod ihres Mannes. Diese Last lässt sie verzweifeln. Sie fühlt sich leer und gelähmt. Daran kann auch der Umzug nach Madrid nichts ändern. Mutter und Tochter versuchen den Alltag dort zu meistern. Dabei weicht Antía nicht mehr von der Seite ihrer Mutter. Und dann passiert es doch. Antía, gerade 18 Jahre alt geworden, reist für drei Monate in die Pyrenäen. Sie möchte sich eine kleine Auszeit gönnen. Abstand gewinnen. Doch Antía kehrt nicht mehr zurück.

JULIETA gibt die Hoffnung nicht auf

Ohne Abschiedsbrief oder irgendeinen anderen Hinweis ist Antía einfach verschwunden. Eine verzweifelte Suche der Mutter nach der Tochter folgt. Doch Antía bleibt unauffindbar. Zwölf Jahre verstreichen. JULIETA hat mittlerweile einen neuen Partner gefunden: Lorenzo, mit dem sie nach Portugal auswandern möchte. Die Koffer sind bereits gepackt, da trifft sie Bea, eine alte Freundin ihrer Tochter. Bea erzählt, dass sie Antía kürzlich am Comer See getroffen hätte. Drei Kinder solle sie mittlerweile haben. JULIETA bleibt geschockt zurück. Mit einem Mal ist alles anders, alle Pläne mit Lorenzo nach Portugal zu gehen sind Makulatur. Die Mutter möchte nur noch eins: Ihre Tochter wiederfinden. Ob ihr das gelingt?

Auf DVD und Blu-ray seit 5.12.2016 im Handel erhältlich.

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Diesen Film sollten Sie sich nicht entgehen lassen. Vor allem Mütter und Töchter werden bestimmt bei diesem amüsanten Klassiker aller Generationenkonflikte unter Garantie Tränen lachen. Die sympathisch gezeichneten Hauptdarstellerinnen, gespielt von Josiane Balasko (Jacqueline) und Alexandra Lamy (Stéphanie) liefern sich in WILLKOMMEN IM HOTEL MAMA wunderbare Wortgefechte. Dabei stolpern sie von einer komischen Situation in die nächste. Einfach herrlich!

WILLKOMMEN IM HOTEL MAMA – wenn Mütter mit Töchtern

Die Mutter alle Konflikte beschäftigt in WILLKOMMENN IM HOTEL MAMMA auch Jacqueline und ihre 40-jährige Tochter Stéphanie. Stéphanie hat Job und Wohnung verloren. Da bleibt ihr nichts anderes übrig, als wieder bei Mama zuhause einzuziehen. Ein Dilemma, denn die rüstige Rentnerin hat sich ihr Witwen-Leben im Grunde recht passabel eingerichtet. Da wirbelt das liebe Kind den geruhsamen Alltag ganz schön durcheinander. Hinzu kommt, dass Mama bereits seit drei Jahren ein Verhältnis mit Nachbar Jean hat. Doch weder Stéphanie noch ihre beiden Geschwister wissen davon. Und das soll auch so blieben, finden Jacqueline. Leichter gesagt als getan. Deshalb beschließt Mama dann doch, bei einem Abendessen endlich reinen Tisch zu machen. Ob das allerdings eine gute Idee war?

Gestatten: Generation Bumerang

Trotzt aller kurzweiliger Komik und charmantem Wortwitz, WILLKOMMEN IM HOTEL MAMA beschäftigt sich mit einem gesellschaftskritischen Thema, der sogenannten „Generation Bumerang“. Dabei handelt es sich nicht um junge Menschen, die aus purer Bequemlichkeit bei den Eltern wohnen bleiben. Regisseur Éric Lavaine möchte mit dem Film gleichzeitig auch auf ein Problem der heutigen Gesellschaft aufmerksam machen. Nämlich das Problem derer, die mit Anfang Vierzig aus unterschiedlichen Gründen dazu gezwungen sind, wieder zu den Eltern zu ziehen. Sei es, weil sie den Job verloren oder sich vom Partner getrennt haben.

Dabei gelingt es dem Komödienspezialist Éric Lavaine mit seinem unnachahmlichen Gespür für brüllend komische, aber auch warmherzige Situationen einen wundervollen Film zu inszenieren. Unterstützung findet er dabei von seinen beiden exzellente Hauptdarstellerinnen, der Kinolegende Josiane Balasko sowie Frankreichs Publikumsliebling Alexandra Lamy. Freuen Sie sich also auf einen hinreißend komischen Film, wie gemacht für kuschelige Advents- oder Weihnachtsnachmittage zuhause.

Auf DVD und Blu-ray seit 9.12.2016 im Handel erhältlich.

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Schon mal was von einer Selbsthilfe-Gruppe für erfolglose Autoren gehört? Ja, so etwas gibt es tatsächlich. Zumindest in BOOK OF LOVE– EIN BESTSELLER ZUM VERLIEBEN, dieser hinreißenden Komödie rund um Erfolg, Misserfolg, Neid und natürlich … die große Liebe.

BOOK OF LOVE – oder das Talent zum Glück

Gemeinsam sind wir stärken. Das denkt sich eine Gruppe erfolgloser Autoren und gründen deshalb eine Selbsthilfe-Gruppe, um sich gegenseitig Support und guten Zuspruch zu geben. Alles läuft super. Die Gruppe scheint vor Kreativität geradezu zu sprühen und ist in spannender Erwartungshaltung ob des nahen Durchbruchs. Dass dieser nun gerade Hannah gelingt, dem vermeintlich untalentiertesten Mitglied der Autorengruppe überrascht alle gleichermaßen. Fortan gilt es sich mit Hannah zu freuen, sie zu unterstützen und vor allem neidlos ihren Ruhm und Erfolg anzuerkennen. Keinem aus der Gruppe fällt das leicht und so kommt es, wie es kommen muss. Neid, Sarkasmus, Giftigkeit und Rivalität durchströmt die Gruppe und führt zu Turbulenzen. Und als dann auch noch romantische Gefühle, vielleicht sogar Liebe und ein Filmangebot hinzukommen, liegen die Nerven aller blank. Ein Glück, dass Autoren mit nichts weiter als Stiften bewaffnet sind.

Auf DVD und Blu-ray seit 3.11.2016 im Handel erhältlich.

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Das glitzernde Nachtclub-Ambiente der High Society New Yorks übte bereits in den 1930ern eine schillernde Faszination aus. Dieser magischen Anziehungskraft nimmt sich Starregisseur Woody Allen in der bittersüßen Romanze CAFÉ SOCIETY an und kreiert wieder einmal einen Film der Spitzenklasse, den sich seit 10. November auch das deutsche Kinopublikum zu Gemüte führen darf.

Natürlich ist man sich in Cannes einig: Woody Allen ist ein Meister seines Fachs. So kommt es nicht von ungefähr, dass nach HOLLYWOOD ENDING (2002) und MIDNIGHT IN PARIS (2011) in diesem Jahr CAFÉ SOCIETY die Filmfestspiele eröffnete.

Heraus aus der Enge New Yorks…

Bobby Dorfmann (Jesse Eisenberg) steht im Zentrum des Films CAFÉ SOCIETY. Seine Geschichte spielt in den 1930er-Jahren in Amerika. Bobby kommt aus der Bronx und ist der Spross einer schillernden New Yorker Familie. Die Eltern, ewig zerstritten, die gutherzige Schwester Evelyn (Sari Lennick), weiß stets alles besser, ihr vergeistigter Ehemann Leonard (Stephen Kunken) und schließlich Bruder Ben (Corey Stoll), durch und durch ein Gangster, der seine Probleme weit häufiger mit Fäusten als mittels Diplomatie zu lösen vermag. Bobby ist von alledem genervt. Er wünscht sich mehr vom Leben.

Hinein in die Traumwelt Hollywoods

Kurzerhand kehrt er deshalb dieser familiären Enge den Rücken und flieht nach Hollywood, um dort für seinen Onkel Phil (Steve Carell), einem mächtigen Agenten im dortigen Filmbusiness, zu arbeiten. Bobby ist fasziniert von seinem neuen Leben in dieser doch so anderen Welt. Und dann begegnet ihm Vonnie (Kristen Stewart), die liebenswerte Assistentin seines Onkels. Hals über Kopf verliebt er sich in die geheimnisvolle Schöne. Können Bobbys kühnste Träume nun endlich wahr werden? Doch Vonnie ist bereits vergeben – und zwar an keinen geringeren als seinen Onkel Phil. Der wiederum steht kurz davor, seine Ehefrau wegen Vonnie zu verlassen.

CAFÉ SOCIETY: Leben, lieben und der große Durchbruch

Eine ausweglose Situation. Was also bleibt Bobby anderes übrig, als Hollywood zu verlassen und zurück nach New York zu kehren – natürlich direkt in den Schoß der all so geliebten Familie. Er beginnt im Club seines Bruders zu arbeiten, wo ihm tatsächlich endlich der berufliche Durchbruch gelingt. Bobby führt den Club „Les Tropiques“ in die Elite der New Yorker High Society. Er macht ihn zu einer der angesagtesten Adressen der Stadt. Dann lernt er Veronica kennen. Die beiden verlieben sich ineinander, Veronica wird schwanger, sie heiraten und das Glück scheint perfekt. Bis zu jenem, alles verändernden Abend, als plötzlich Vonnie im Club „Les Tropiques“ vor Bobby steht…

Kinostart: 10. November

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So zum Beispiel auch in Hamburg, hier bedankt sich alljährlich die japanische Gemeinde Hamburg mit dem Kirschblütenfest für die Gastfreundschaft der Hanseaten. Das Highlight ist das große Feuerwerk, das immer am Freitagabend an der Außenalster gezündet wird.

Hanami – eine Tradition aus dem 8. Jahrhundert

Bereits im 8. Jahrhundert  liebten die Japaner die Betrachtung der Kirschblüten, damals war dies jedoch ausschließlich ein Privileg der Hofadeligen. Sie zelebrierten das „Dolce Vita“ in der Natur mit dem Genuss von Sake und hörten lauschten dazu dem Vortrag klassischer Gedichte.

Heute feiern Japaner aller Bevölkerungsschichten Hanami in den öffentlichen Parks des Landes. Dazu breiten sie große blaue Plastikplanen unter der üppigen Blütenpracht aus und treffen sich auch heute noch zum Picknick mit Reishäppchen, Gemüse und Fisch. Dazu trinkt man  Sake und feiert trotz frischer Abendtemperaturen bis tief in die Nacht.  Auch die Süßigkeiten zur Kirschblüte dürfen nicht fehlen. Es gibt es Kirschblüten-Bonbons, Kirschblüten-Schokolade und Doppelkekse mit Kirschblütencremefüllung mit säuerlichem „Sakura“-Geschmack. Allerdings schmecken sie nicht süßlich, nach Kirschen, sondern eher säuerlich. Denn Sakura sind reine Zierpflanzen, einzig und allein gezüchtet zur Freude an den Frühlingsgefühlen. Diese wunderschönen Kirschbäume tragen also im Herbst keinerlei Kirschen!

Symbol für Vergänglichkeit

Die zarten Blüten der Kirschbäume, von denen es in Japan ca. dreihundert verschiedene Variationen gibt, stehen in Japan als das Symbol für Vergänglichkeit. Schon seit mehreren Jahrhunderten versinnbildlichen sie den abrupten Tod in der Blüte des Lebens. Hieraus erwuchs auch das heroische Ideal der Samurai-Krieger. Die durch den Zen-Buddhismus geprägte Philosophie verdeutlicht  die Unbeständigkeit alles Perfekten, hieraus erwuchs der Kult um die Kirschblüten.

Kirschblütenwanderung – ein Thema in den japanischen Medien

Während in großen Teilen Japans Ende Januar noch tiefster Winter herrscht, können im Süden des Landes, in Okinawa, bereits die ersten Kirschblüten bewundert werden. Anfang März blühen die Kirschbäume auf Kyushu, der südlichsten der vier Hauptinseln. Nun beschäftigen sich Meteorologen des Landes dem Vorrücken der Kirschlütenfront und versuchen möglichst genau den Beginn der Blütenpracht in den großen japanischen Metropolen, wie Koto, Osaka und Tokyo zu berechnen. Diese Berechnungen und die Wetterkarte in den unterschiedlichen Rosatönen dominieren für einige Wochen sogar die Hauptnachrichten in Japan.

Hanami – ein wunderschöner Film von Doris Dörrie

Im Film „Kirschblüten – Hanami“ erzählt die deutsche Regisseurin Doris Dörrie die tragische Geschichte des unheilbar kranken Rudi, gespielt von Elmar Wepper, der nach dem völlig unerwarteten Tod seiner Frau Trudi (Hannelore Elsner) zu einer Japanreise aufbricht, um vor Ort Trudis versäumtes Leben nachzuholen. Der Film erhielt zahlreiche Auszeichnungen, u.a. den Bayerischen Filmpreis des Jahres 2008, Elmar Wepper erhielt den Deutschen Filmpreis und den Preis der deutschen Filmkritik für seine Darstellung des Rudi Angermeier.

Die DVD zum Film können Sie direkt hier bei Hansen & Kröger bestellen.

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